Oxímoron andante

Salomón Shang hablando de su propia obra:

En Cinéclub reivindico mi condición de cinéfilo ambivalente, como oxímoron andante en el que en su día peleaban las modernidades (la presión de la tradición europea por la que creo sentir afinidad; la experiencia de los grandes clásicos) con las corrientes populares (ese cine abigarrado, principalmente hongkonés, que devoraba junto a mis amigos), es un espectro más del cine anónimo, sin nombre, de mi película, ese cine que cierra sus puertas, inevitablemente, con una película de un pionero (Griffith).

[...] El plano pictórico es el que es hermético, aquél que por un instante nos parece enmarcado, no sujeto a la dinámica metonímica [...]

[...] son las fuentes sonoras las que se pueden encargar de horadar el plano [...]

[...] La profundidad sustituye al habitual despliegue analítico en tomas, [...]

[...] La dominante autorreferencial es absoluta en Cinéclub [...]

[...] alguien que desee detener el tiempo y volver a una arcadia inamovible [...]

[...] víctima de la dimensión frankensteiniana del cine, parece implicarse con la ilusión); a la cual podemos añadir, durante algunos segundos, a la joven taquillera cuando se abisma en él desde detrás de la pantalla. [...]

[...] De unas películas que ya son historia porque sólo siguen interesando a aquéllos individuos totalmente descontextualizados.

Enviado por: Nava.

G.Sanz regresa con fuerza

Tras un tiempo en horas bajas o, directamente, sin publicar, regresa el inspirador de ente blós con una de sus más jrandes contribuciones. Disfruten:

JOE CREPÚSCULO: CHILL OUT
Con los mentideros del indie por montera, el barcelonés Joël Iriarte brinda al tendido el espectáculo de su ineluctable madurez. Menos bullidor que el primero y más orgánico que el segundo, su tercer disco en 20 meses ilustra la transición entre la novillada tecno-pop y la alternativa de la composición seria. Baterías reales y aires de rumba ácrata, guitarras muy Mark Knopfler y euforia eurodance, góspel de derribo y hasta un estribillo robado a Maná (sic) en 12 canciones para exhibir torería en karaokes futuros. Por Gerardo Sanz

Sólo puedo decir: ¡Ooooole!

Intersticios de un paisaje de la conformidad

"Petit indi es, al mismo tiempo, fábula, relato de iniciación y western invertido, relato fronterizo cuyos protagonistas no son colonos de un territorio virgen, sino los últimos mohicanos en los intersticios de un paisaje de la conformidad".

Es una crítica de Jordi, claro, pero eso no hacía falta decirlo.

Enviado por Lucía.

No todos los autores son iguales, aunque lo diga "Zipf"

Hasta ahora creo que se os ha escapado un personaje especialmente inaguantable y que resulta pedante desde la foto, trata de quitarle hierro con su presentación, y demuestra que se comió el diccionario, le sentó mal, y desde entonces lo vomita sobre todo lo que le pilla cerca. En cada artículo hay un momento para llorar, tanto por su forma de esconder su mensaje, como por lo estúpido que este resulta.

Artículo: La Ley de Zipf
http://www.fantasymundo.com/opinion/sergioparra/25/ley_zipf

[...]Y entonces es posible que descubramos algo asombroso. Algo que cambiará toda la estructura de la literatura, basada en la adjudicación de X texto a X autor, de manera individual. Descubriremos que la originalidad es una entelequia, que la creatividad sólo es la recombinación de cosas ya escritas, que la voz propia sólo es plagio que pasa inadvertido, que los autores individuales no existen, que los derechos de autor no tienen sentido… que la literatura, en suma, es una composición multicapa de memes que los llamados escritores agitan y agitan en sus devaneos posturales incansablemente estéticos.

No os recomiendo leer mucho más de él (eso sí, todo esto está en un portal friki, que manda narices). Sí conviene dar un mensaje para navegantes desorientados por usar la brújula equivocada: sí hay escritores diferentes, sí hay obras diferentes. Algunos andan justos de sentido común y sobrados de ego, tienen la viga y la paja todo en su propio ojo, y no callan porque les sobra tiempo libre. Y cuántas tonterías dicen.

Enviado por: Miguel

Patchwork de highlights

En una corrosiva crítica de Y la nave va... (1983), Olivier Assayas comparaba los últimos films de Federico Fellini con carpas de circo. Cada escena, decía, tiene que ganar una partida, aunque también la puede perder. No es casual que el propio Gilliam haya evocado Amarcord (1973) como modelo de cinta-compendio a la que aspira en este imaginario del doctor Parnassus, que es como el imaginario del doctor Gilliam. Está el aliento meliesiano de Las aventuras del barón Munchausen (1988); el mundo del otro lado del espejo de Los Héroes del Tiempo (1981) y Tideland (2005); olemos el quijotesco empeño de un artista agarrado a las fórmulas mágicas del espectáculo pretérito…

¿Por qué, entonces, parece un patchwork de highlights gilliamescos sin más coherencia que la que da ser ferozmente autoindulgente? Feliz idea la de compensar la muerte de Heath Ledger con el pretexto del espejo mágico, y es innegable que el barroquismo del concepto se ajusta a la creatividad de Gilliam, pero el resultado se mira demasiado al ombligo.

Una muñeca rusa hace carne picada

Saludos,
Os mando un artículo que creo que merece estar en vuestro tablón de anuncios 'cultureta'.
El artículo en cuestión consta de 2 partes, en cada una de las cuales un crítico de cine de la página www.soitu.es hace una reseña de la película "La huérfana". La más "espectacular", en mi opinión, es la que realiza el crítico Federico Volpini.



La reseña de Federico Volpini

Esa pulsión que personas adultas y a las que se supone en uso pleno de sus facultades sienten por adoptar debe de tener su origen, ya que no en la imposible transmisión de los genes, en la transmisión de la conducta, que tampoco es ingrediente despreciable cuando se trata de la procreación directa, sobre todo atendiendo al macho de la especie. Casi más importante que el que se parezca a papá lo es que la criatura (el niño) sea como papá y mucho más allá: que sea lo que papá no logró ser, que resarza a papá.
El niño es el Vengador Enmascarado de papá. Y la niña, la de mamá, aunque a menudo con mejor intención: "Hija, que no te vaya a pasar lo que a mí". Con frecuencia, por culpa de papá. Mamá Kate y papá John forman una pareja feliz, compenetrada. Tienen dos retoños, niño y niña, con un ligero impedimento de la niña, guapos, encantadores, que son la delicia de papá y de mamá. Pero mamá, de nuevo embarazada, pierde el bebé junto con la posibilidad de volver a engendrar.
Cupiera pensar que el niño hecho ofrece garantías que el niño por hacer no puede darte. Lo conoces, hablas con él (con ella), los miras a los ojos, calibras su sonrisa. Y te la llevas. En atractivo estuche, un cuchillo con lazos. El 'No los compres: acude a las Sociedades Protectoras', que aquí nos sale rana. Claro que eso pasa también con la progenie propia (en uno y otro caso, reflexión: lo que a la niña, al niño, va a tocarles aguantar y sobre lo que no tendrán control alguno. Los Reyes son los padres). 'La huérfana'. El alcohol y la culpa y una vuelta de tuerca que preserva la inocencia radical de los niños y despoja a la película de parte de su gracia. Hasta ahí, sinceramente, no iba mal. Mención de honor a Isabelle Fuhrman.


Podeis echarle un vistazo a todo el artículo en el siguiente enlace:

http://www.soitu.es/soitu/2009/10/14/cine/1255525058_168677.html


Enviado por: José F.

David Morán, con puntofobia

Un extracto de la crítica de David Morán del disco de unos tales JJ titulado 'Nº2', publicada en el ABC. Además de gsanzar subgéneros imposibles, añade la tan querida característica cultureta de economizar en el tema de los puntos:

"(...)Ensamblado a partir de ritmos mecánicos humanizados, voces candorosas y excursiones transoceánicas, Nº2 es una delicia de pop amazónico y electrónica tropical; un disco ajeno a la contaminación exterior, que acapara todas las definiciones posibles de belleza para construir en nueve pinceladas y menos de treinta minutos un universo paralelo en el que se citan con sorprendente intimidad un amplísimo ramillete de culturas sonoras. Apuestan los suecos por una cálida sencillez en la que arreglos, voces y ritmos electrónicos se funden en preciosas miniaturas de pop mullido y esponjoso. Desde burbujeantes relecturas de ritmos tropicales a partir de electrónica microscópica (My Love) a tirabuzones de avant-pop, pequeñas inyecciones de house y "singles" como soles (From Africa to Malaga), Nº 2 acaba trazando un nuevo mapa de los sonidos contemporáneos que, sin renunciar al ardor del pop, ansía la perfección a toda costa."

Enviado por: El amazono cultureta

Traduciendo las palabras de Javier Rebollo

Pasiónporelcine.es publica una entrevista a Javier Rebollo, cuyas declaraciones, muy relacionadas con el último post de Vicisitud y Sordidez, pasamos a traducir para el bien común. Esto serán extractos. Para los más aguerridos, la entrevista completa está aquí. Sé que no se trata de una crítica cultureta, que es la temática del blog, pero creo que merece la pena saltarse la regla.

(...)
- ¿Qué esperabas concretamente a la hora de comenzar a rodar?
- Yo no espero nunca nada de un rodaje. Espero ser feliz. “Un rodaje debe ser la verdadera felicidad”, como decía Claude Chabrol, si no, no tendría sentido hacer películas. Para mí es importante ser feliz mientras trabajo y que esa felicidad esté en el equipo. Si no sería espectador y no cineasta. Se trata de “trabajar con alegría”, como decían en una película que no me gusta, El puente sobre el río Kwai.

Traducido: Me gustan los rodajes y estar contento en ellos se transmite a la película. ¿Os he comentado que sé nombres de cine? A propósito, soy trasgresor porque, aunque no venga a cuento, te digo que no me gusta una de las obras maestras indiscutibles del cine.

(...)
- ¿De dónde proviene el título, tan poético y misterioso a la vez?
- Uno no sabe dónde le esperan las películas. Las películas te aguardan en cualquier parte. Hoy me he cruzado tres veces con un hombre llevando un cuadro que tenía una horrible pintura de pájaros. Ahí se queda en tu cabeza. Como esa imagen, suceden muchas. Hoy estaba en un restaurante pésimo intentando cenar y me he dicho, si en 30 minutos no me ponen la cena, me voy. He estado en silencio esperando y en media hora me he ido. Es otra imagen que se me ha quedado. La imagen germinal, encriptada, que el rodaje debe desencriptar de La mujer sin piano es una mujer que me cruzo una madrugada de un lunes, en la estación sur, que yo vengo de viaje. Ella va por el medio de la calzada, con una maleta y un bolsito ridículo, a las dos de la madrugada, con sus tacones reverberando en la noche, camino de la estación ya cerrada. Esa imagen se me queda grabada. El tiempo pasa sobre ella y se va rellenando con otras imágenes y da lugar a lo que ahora vamos a rodar. (...) Yo parto de imágenes para llegar a la escritura. El guión existe antes en imágenes.

Traducido: Los guiones me la sudan. Te voy a contar un puñado de anécdotas sin ninguna relevancia que ninguna mente cuerda pondría de punto de partida, no ya de una película, sino ni siquiera de un chiste de Arévalo. Pero como soy un agudo observador (con espíritu de entomólogo) del diario quehacer de la sociedad de consumo, yo las haré interesantes.

- ¿Por qué te decidiste por Carmen Machi para el papel protagonista?
- Yo siempre escribo pensando en un cuerpo y en una cara. Esta película está pensada para Carmen Machi desde el comienzo. (...) Ningún actor en España garantiza que la gente vaya a los cines, ni siquiera Bardem, como demuestra El amor en los tiempos del cólera. Ni Carmen Maura ni Victoria Abril, ni Pilar López de Ayala. Nadie. Tampoco Carmen Machi. Por otro lado, yo llevo 10 años sin televisión y no he visto nunca Aída. A Carmen la conozco del teatro y de ser amiga desde hace años. Jamás he visto la serie, y te digo sin soberbia que no tengo el mínimo interés por ello.

Traducido: Te digo, con total soberbia, que no veo la tele, porque yo soy culto y eso es para las masas. De paso, te comento que no tengo ni idea del hecho de que ‘El amor en los tiempos del cólera’ hizo una taquilla considerable en España.

- Suena incluso mejor porque así no tienes una imagen preconcebida de lo que ella hacía allí
- Lo cierto es que yo no pienso jamás en el espectador. Me parece una falta de respeto. Yo creo en la inteligencia del espectador. El director que piensa en el espectador está haciendo de vendedor. Hay dos tipos de directores: Los que piensan que el cine es una sala de butacas por llenar y los que piensan en la película. Yo soy de los que creo que hay que pensar en la película y confiar en la inteligencia del espectador; de que esa película va a encontrar su público. De todos modos, hay que plantearse qué es el público hoy en día, cuando hay tantas dictaduras y censuras en lo que respecta a la exhibición. El concepto de público ha cambiado mucho…

Traducido: Hago lo que me sale concretamente de los huevos y me da absolutamente igual la persona a lo que se lo cuento. Si no les gusta, es que no están a mi excelsa altura intelectual. De hecho, cada vez que cuento un chiste y nadie se ríe, la culpa no es de haberlo contado mal o de no haberlo pulido atendiendo a las reacciones de los oyentes: la realidad es que son gilipollas.

Enviado por: Clayderman y Paco Fox

Diego Salgado perdido y sin mapa de Tokio

Pero, ¿por qué entender esos ataques como si estuviesen dirigidos a un género, y no a algunas de sus máscaras? Denunciar por ejemplo el monopolio en nuestro ecosistema civil de la sensibilidad o “mirada femenina” auspiciada por el grupúsculo ético y estético que retroalimenta a Isabel Coixet, ¿supone menospreciar a las mujeres en su conjunto? ¿Acaso el melifluo microcosmos representativo que apuntalan Evax, Danone, la DGT, Ikea y el PSOE (por citar cinco marcas corporativas para las que Coixet ha prestado servicios publicitarios) representa unos valores tan irreprochables y universales como para tener derecho a demonizar a quien se rebela contra ellos? ¿No se ha conseguido ejercer una sutil violencia de género en sentido contrario al habitual al coartar, con el respaldo incluso de represalias legales, la disensión contra una manera de pastorear la realidad que se ha arrogado las cualidades de emocional y correcta?

[...]

Plantear el cine, como han hecho los citados, atendiendo a ideas recibidas, de segunda mano, sin un sustrato intelectual propio de valor que adopte el referente cool como problema y no como espejo complaciente, deriva en películas simplemente mudas: desde su título, es imposible saber qué nos quiere decir Mapa de los sonidos de Tokio; en su cartografía vana y turística, lastrada por errores básicos en cuanto a los puntos de vista, la verosimilitud de los personajes y la estructuración de la intriga, no se percibe orientación deconstructiva/reconstructiva ninguna; sólo el eco de direcciones ya transitadas, que se sigue de memoria mientras dura la proyección, y que obliga a desandar el camino en cuanto concluye, visto el callejón sin salida a que nos ha abocado.----------

Diego Salgado en su despliegue cultureta y gafapastistico habitual. No comment.

Leido en Fanzine Digital.

http://www.cine.fanzinedigital.com/5162_1-Mapa_de_los_sonidos_de_Tokio.html

Enviado por: SPD

La máquina de pintar nubes

Narra el viaje iniciático de un adolescente que descubre la pasión por la pintura en el contexto de una barriada obrera de Bilbao durante los últimos años de la dictadura franquista. En este entorno hostil a la belleza y el arte, conoceremos a un grupo de trabajadores de la fundición que dedica su tiempo libre a pintar. Son aficionados que pintan por puro amor al arte.

Ya sé que esto no es cultureta, pero es muy cursi y la cursilería y el refinamiento exagerado a la hora de escribir están muy cerca.

La navaja en el ojo.

Drag me to hell

A los microcríticos muchas veces se les ha acusado de pedantes. Muchas veces no. En este caso sin embargo creo que habrá algo más de consenso.

No dejo de sentir cierta abulia al comprobar que se afirma la virtud de una expresión concreta desde el tópico de la ausencia de pretensiones. Si Sam Raimi es el artífice de aquella singular mirada que rejuveneció un subgénero, y si ahora retorna a ello con tal énfasis autoconsciente, ‘Drag me to hell’ exhibe la inocua pretensión de retornar a aquellos contornos mediante la actualización en la temática y la ampliación del desenfreno que inspira cada pieza que la compone. El resultado es desequilibrante, y confieso que me sentí enfermo en algunos momentos de la proyección: un jolgorio arrollador que nos lleva hasta la moraleja final, y escasa habilidad cuando quiere sorprender al espectador. No obstante, la abrupta mirada de Raimi sigue siendo un medio efectivo para un sincero reencuentro con los contornos del fanta-terror, teniendo aquí un ejemplar -esa vieja del demonio- que es firme candidato a formar parte imprescindible de la antología.

A mi, que queréis que os diga, releída 100 veces la primera frase, sigo sin pillarla.

Visto aqui

Fdo: Portrait

G.Sanz y los pajaritos

Bowerbirds: Upper Air
De regreso al nido, una caravana perdida en la masa forestal de Carolina del Norte, Phil Moore y Beth Tacular pierden la oportunidad de tomar vuelo. Paseando 'Hymns For A Dark Horse' (2008) han visto mundo pero, sin una canción con la plasticidad de 'In Our Talons', su segundo álbum se enrama entra las pastorales americanas de Bon Iver, el emotivismo de Arcade Fire y el manierista buen agüero de Andrew Bird. La naturaleza como metáfora del amor a la espera de un piquito de definición.
G. Sanz.