Cultureta Watch

¿Así que ésto era la cinefilia?

2012-01-23T09:20:00.002+01:00

Hace años descubrí que me gustaba el cine algo más de lo normal y supuse, pobre púber, que mi deber era alimentar esa afición. Así que me enganché a la Fotogramas (y a la Acción Cine y Vídeo, wayeah). Al principio simplemente ignoraba las críticas que no entendía, hasta que leí ÉSTO:

Asfalto no pide una crítica de cine, sino un acto de amor. No pide ser comentada a la salida del cine en un café, sino que nos la follemos en casa, a solas, en nuestra sala de proyección privada: en nuestros sueños.

¡Jrande! Desde entonces cito a menudo la frase a modo de alerta cultureta y reflexiono sobre el acto de follarse una película (yo creía que "cinefilia" era otra cosa).

Juraría que el crítico era nuestro bienamado Jay Costa, pero en la web de la revista (donde he recuperado la crítica) no viene firmada. Destaco también el cierre:

Lo mejor: el trío protagonista. Lo peor: que hay menos sexo del que debería.

Moraleja: antes de criticar es bueno meterla en caliente, para no confundir términos.

Enviado por: V the Wanderer
http://www.lainercia.com/

Un G.Sanz que tenía guardado en mi cartera

2012-01-05T11:20:00.001+01:00

El otro día apareció por mi cartera este recorte gsanzístico que tenía olvidado. ¡Ya me gustaría que salieran otro tipo de cosas olvidadas de mi cartera! Y no me refiero a un billete de 50 euros. Estoy hablando de una botella de irn-bru, cuatro calzoncillos de recambio y un gadgeto-cóptero. Que mi cartera tiene tantos años que estoy seguro de que todas las dimensiones cuánticas se dan en ella al mismo tiempo y en ninguna de ellas hay un preservativo que no esté caducado.

Gerardo Sanz se mete a meteorólogo:

MESHELL NDEGEOCELLO (WEATHER)

(...) Más cantautora y menos (multi)instrumentalista que nunca, la contrabajista estadounidense recurre a la orgánica producción del cuñadísimo de Madonna inspirándose en Art, el poema de Charles Bukowski labrado en los créditos: cuando el espíritu se desvanece, aparece la forma. Tan impredecible como el tiempo, su noveno álbum alterna claros de funk ochentero con nubes confesionales, pasa de la radiante lujuria de La Petite Mort a la lluviosa melancolía de Oysters y, combinando altas y bajas presiones, escapa del pro-rock con el anticiclón pop de dos versiones: Chelsea Hotel de Leonard Cohen y el clásico del soul de Stax, Don't Take My Kidness For Weakness (The Soul Children).

La playa como figura constructiva del vacío

2011-12-29T10:54:00.002+01:00

Una de las minas menos explotadas en Cultureta Watch es el de los profesores de arquitectura satánica, en el que auténticas vetas de pedantería insondable y abstruso rococó -un tanto chirriante con el mandala racionalista que parecen defender- envuelven un vertiginoso vacío (ahora sí) que se trata de implantar en los cerebros lobotimizados de los mansos cobayas que asisten a las Escuelas de Arquitectura donde, evidentemente, lo que se imparte es el satanismo más atroz. En este caso, el mantra se entonó desde un púlpito de conferencias en Lanzarote en abril de 2011, aunque probablemente las fuerzas reactivas provocadas por las dosis cósmicas de vergüenza ajena desatada repercutan ahora caóticamente algo más lejos, en la Isla del Hierro. Veamos en todo caso el insigne ejemplo de Juan Ramírez Guedes, profesor en la ETSALP y comprometido intelestuá y arquitecto, explicando a la chusma iletrada lo que es una playa. Dejad el cubito para la arena, la pala y el bronceador a un lado, y atended a la buena (o mala) nueva satánica:

La playa como figura constructiva del vacío

Juan Ramírez Guedes

El espacio público contemporáneo ya no puede ser entendido sólo en los términos tradicionales del espacio de la representación, del espacio del emblema y la construcción simbólica.

Otras formas y otros tipos de espacio, en la progresiva metamorfosis de la metrópolis y su difusión y en la emergencia de la categoría de paisaje que impregna reticularmente todas las formas de organización del espacio contemporáneo, han venido a reconstruir una idea de espacio público, una más compleja categorización de estos espacios de lo colectivo. Ya no son sólo la calle, plaza o el parque tradicional, los lugares de lo público; otras piezas espaciales más informales (el descampado, el intersticio, los espacios intermedios indefinidos y también la playa) contribuyen a la formación de una idea más abierta y tensa del espacio público.

Estos espacios reúnen a su vez en sí mismos una multiplicidad de escalas referenciales, espacio-temporales, como encontramos también en muchos cuadros de De Chirico, donde junto a anónimos elementos cotidianos, hallamos otros de diferente uso, categoría y grado de capacidad representacional y el vacío como elemento consustancial de espacio público, el paisaje lejano y, en fin, el horizonte. Cada uno de estos elementos o componentes presentes en lo que podríamos llamar como Serlio escenas, otorga una escala, una vibración, una referencialidad distinta, un tiempo, una diversidad de tiempos, desde el instantáneo de la movilidad en la calle a la visión lejana de una montaña, del mar, de tiempo lento, casi inmóvil o tal vez recurrente, de casi no-tiempo.

Es esta presencia de lo lejano, lo lento, lo no-temporal, en los términos del cronograma metropolitano, lo que al espacio público le otorgan sus componentes no inmediatos, inasibles, haciéndolo saltar en su implicación urbana a una escala superior; una particular geometría que vincula paisaje y espacio, aquella que haría corresponder a una mayor profundidad de campo visual la necesidad de gravitar sobre una mayor acumulación de vacío; es decir: la escala del paisaje tiende a condicionar una determinada escala del espacio libre receptor de su vivencia; el vacío, a través de sus figuras constructivas (el descampado, el intersticio, los espacios intermedios, la playa), asume un papel redefinidor de la caracterización del espacio contemporáneo: el espacio público contemporáneo como vacío.

En el caso de la playa como figura constructiva del vacío, podemos encontrar algunas cualidades o características específicas, entre las que podemos citar:

-La horizontalidad.

-La presencia de lo no finito. La escala inconmensurable del espacio.

-El carácter abstracto del paisaje marino. La línea del horizonte.

-Lo abierto.

-El cambio cíclico de su geometría, forma y dimensión. Metamorfosis continua.

-Lo informal.

-El movimiento y la fluidez.

-La configuración virtual dinámica del espacio a través de la movilidad de la luz y de la sombra.

-La presencia perceptible de la energía y las fuerzas inmanentes en la naturaleza.

-La percepción del tiempo: el tiempo circular.

Este texto es un extracto de la conferencia del mismo título pronunciada en el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote, MIAC.

Original en: http://lpaec.blogspot.com/2011/04/la-playa-como-figura-constructiva-del.html

¡Saludos!

ENVIADO POR: Jesús Vicente Martínez

Hipnagógico Vintage

2011-12-13T12:05:00.002+01:00

Esta crítica, publicada en el Cultura/s de La Vanguardia del 30 de Noviembre del 2011, y firmada por Luis Costa (tal vez pariente de nuestro inefable Jordi) es ejemplo de varias cosas:
- La primera sería ver como el crítico se autodesmarca de una corriente de pensamiento en la que se pone a caer de un burro, una obra anterior del artista citado, para demostrar que él ya decía que molaba antes de que se hiciera famosete. El crítico se autoafirma como líder de pensamiento oculto, como un creador de opinión que ha sido ignorada por la masa imbécil y acrítica que no mira más allá de lo que aparece en sus blogs, revistas y gacetas de moda.
-Por otra parte, el mentado Luis, se incorpora al si no sabes hablar de música o hacer una reseña no importa, mete palabros grandilocuentes y poco usados para que la masa se sienta imbécil, aunque no tengas ni tú mismo idea de lo que significan. Son muy frecuentes en este estilo buscar calificativos paradójicos, o antónimos como neo-vintage, retro-futurista, mutante o como en el caso que nos compete hipnagógico-vintage. Hipnagógico, por si alguien no sabe lo que significa, son visiones producidas en un estado entre la vigilia y el sueño, y que se producen porque el cerebro todavía no ha desconecatdo de la realidad mientras que el resto de funciones corporales sí que lo ha hecho. Así que me gustaría que alguien me explicara que relación tiene una visión hipnagógica con lo vintage. ¿Acaso con este disco ves imágenes de tus padres yendo de guateque con música de los Diablos antes de dormir? ¿Ves a la gente con pantalones de campana diciéndote buenas noches? Luis Costa, si por acaso leyera esto, explíquemelo que estoy en un sin vivir.

En fin, voy con la transcripción de la crítica:

JOHN MAUS We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves
Pop Retrofuturista

Ahora que parece que este disco de John Maus viene gustando, uno no puede evitar acordarse, no sin cierta tristeza, de la dureza con que se despachó en su día, cuatro años atrás, su segundo disco Love is Real. Hay que decir que este nuevo disco no se diferencia en lo esencial de aquel otro, y si los postulados retro-futuristas basados en el post-punk y el primer techno pop menos evidente son buenos ahora, deberían haberlo sido entonces también. Dicho esto, no hay duda de que Maus está aquí inspirado, ya desde Streetlight, tema de disco mutante con reminiscencias a Kraftwerk que abre el álbum, hasta el que lo cierra Believer tan new romantic, tan The Cure. Entre medio, otras diez canciones de excitante sonido hipnagógico vintage que da forma a una de las propuestas más personales del actual pop independiente. LUIS COSTA

Enviado por: Milgrom

La maravillosa moda de lo cuántico

2011-11-30T18:19:00.002+01:00

Hoy en día, si quieres sonar a que te las sabes todas, hay un palabro al que acudir: CUÁNTICO. Si lo añades a cualquier cosa, automáticamente eliminas la posibilidad de que se genere una discusión lógica.

Ejemplos: "La tortilla de patatas lleva y no lleva cebolla dependiendo del elemento CUÁNTICO". O "Paul Rodgers tiene una voz CUÁNTICA".

Dentro de esta moda, tenemos este texto leído hoy en La Vanguardia por nuestro colaborador Milgrom:

Cita de Jorge Carrión de un artículo de Juan Trejo sobre las series:

"La ficción cuántica no sólo goza de una existencia múltiple, en estados paralelos y complementarios, sino que esa multiplicidad tiene como razón de ser el conocimiento".

La definición de ficción cuántica según el artículo es la siguiente:

"Las ficciones televisivas se estructuran formando una red que tiende a expandirse, no sólo en lo que se refiere a su organización interna, sino disparándose al exterior. Por otra el hecho de que sea precisamente la mirada del espectador la que dé sentido a esa red, porque hoy en día el espectador de series es testigo y a un tiempo partícipe inexcusable de la creación de significado que desea imponer dicha red de ficciones".

Enviado por: Milgrom

Eva y el universo solipsista

2011-11-10T13:07:00.004+01:00

Vuelve el falso nerd y viejo conocido de Cultureta Watch Jordi Costa con una estupenda frase de su crítica de 'Eva':

"Sin subrayar su condición de antiutopía enmascarada de cuento, Eva describe un universo solipsista donde el robot funciona como prótesis emocional de una humanidad encerrada en sí misma".

Enviado por: Clayderman

Compatibilizando el prurito experimental

2011-10-13T15:45:00.003+02:00

Retahíla salvaje de nombres en esta tremenda crítica:

Megafaun:

Mucho más que la comparsa de Justin Vernon, alias Bon Iver, en su etapa DeYarmond Edison, el trío de Carolina del Norte asciende a la primera división de la Americana compatibilizando su prurito experimental con el formato canción. Coproducido junto a BJ Burton (The Love Language), su tercer álbum es folk lo bastante freak como para hollar un territorio propio de The Grateful Dead, el gótico sureño y la bohemia Laurel Canyon. Mark Paulson (Bowerbird) toca el violín, Matt White (Fight The Big Bull) arregla los vientos y la voz de Frazey Ford (ex The Be Good Tanyas) cierra, a ritmo de góspel-rock, un inspirado ejercicio de retrofuturismo con raíces donde caben The Beatles y el blues del Delta, Phish y una marimba esquizofrénica, interludios ambient pastoral y el tema central del otoño que viene.

Firmado por... obviamente... GERARDO SANZ. El único y sólo imitable por mí.

G.Sanz vuelve de vacaciones. ¡Yupi!

2011-08-26T12:07:00.003+02:00

Mellowhype
Blackenedwhite (3 estrellicas)

Canonizado como el Wu Tang Clan de la era Twitter, Odd Future comienza a rentabilizar su tremendo potencial viral. Con Tyler, The Creator incrustado en la aristocracia hip hop gracias a las 100.000 copias vendidas de Goblin (2011), otros dos miembros del colectivo, el MC Hodgy Beats y el productor Lest Brain, reeditan a través del sello Fat Possum "la banda sonora perfecta para merodear en una noche oscura de Halloween" (sic). Disponible en descarga libre el pasado 31 de octubre y remasterizado ahora con dos temas nuevos y seis descartados, el segundo álbum del dúo calavera ofrece el perfil menos feroz de la crew californiana: horrorcore estilizado, electrónica barata y un recitar fumado donde se mezclan mitos sexuales, leyendas de traficante y, con F666 The Police a la cabeza, divertidas fantasías de pandillero post-NWA.

Gerardo Sanz. (¡Por supuesto!)

2011-08-17T10:20:00.001+02:00

Difícil extractar o apuntar a un párrafo; ha secado el diccionario y alertado positivamente a unos gafapastas.

“The Tree of Life” revela una exuberancia lingüística y una caligrafía visual que apenas permite cotejar referentes y delata la destilación esencial del talento exultante de su realizador. Una gema de subyugantes ademanes plásticos y alusiones alegóricas epatantes que, rehuyendo de la untuosidad y la fluctuación tonal, nos sumerge con su estilo poco prosaico y su exquisito refinamiento formal en lo que vendrían a ser las diatribas de un film-tesis desde una perspectiva teleológica e, incluso, científica, si tomamos como válida la concepción baziniana de la verdad. Sin quebrar de modo intransigente los lazos con los dispositivos de la ficción, su arquitectura narrativa, lineal y compleja, consagrada tanto a los códigos del clasicismo como a las virtudes de la elipsis y los artilugios del montaje, sugiere un discurso meticuloso y obcecado en el detalle, un nuevo escenario proclive a la reflexión autoconsciente y al feliz connubio de imagen y sonido más allá de dislexias, aprovechando, no solo las posibilidades del score firmado por el francés Alexandre Desplat (próximo al esquema metódico del binomio Greenaway/Nyman, se confiesa extraordinariamente nostálgico en las piezas de piano), sino también el de la distinguida colección de composiciones signadas por Smetana, Mahler, Holst, Berlioz o el multiinstrumentista serbio Arsenije Jovanovic.

David López

http://www.septimovicio.com/criticon/3105111-the-tree-of-life/

A continuación propongo una aproximación más suave, más easy-reading y que podemos interpretar con nuestro diccionario de bolsillo Vox :

Boina (cualquier acepción).

Enviado por: Víctor Alonso

Observar la esencia

2011-07-01T09:52:00.002+02:00

Encuentro en el suplemento de la Vanguardia, Cultura/s una aturullante crítica a lo G. Sanz, que no tiene desperdicio. Viene firmada por un tal Santi Mayor Farguell de la escuela catalana de crítica amargante, y se refiere al nuevo disco de Paul Simon, famoso por hacerle la permanente a Garfunkel.

Observar la Esencia

Paul Simon -So Beautiful So What (Pop)

El oyente (observador) escucha (observa) las canciones (los objetos) y, nos lo enseñó la física cuántica, en el mismo proceso las modifica. En otras palabras el oyente hace suyas las canciones, se las apropia y las modifica para sí. Enjuiciar un álbum somete a esa paradoja metodológica y obliga a contextualizar a pesar del contexto. Al valorar un álbum de Paul Simon es casi exhortativo remitir a Graceland (1986): cuánto modificó aquel trabajo a cuantos lo observaron...De ahí su peso histórico. Quienes escuhen So Beautiful So What sin conocer la obra de Paul Simon podran sentir por primera vez la conmoción tranquila que provoca el cantautor de Brooklyn. Una sensación de fluidez cálida, atemporal, cadencia humana. Que no es casual: proviene de los timbres instrumentales africanos; de la dicción tebue y de las palabras que hablan de amor, vida, tierra, demonio, Vietnam, sábanas de cartón, zebras (sic), del mal como un demonio que se alimenta de la mente. Es esencia y así nos conmueve al observarla.

Enviado por:
Milgrom

Film Affinity es una mina

2011-06-13T10:18:00.003+02:00

Esteban G. R. nos manda una nueva muestra de esa inagotable cantera de culturetas aficionados que es Film Affinity:

Entrando a ver cosas sobre Shoah, como alternativa al fustigarme me encuentro con esta jran crítica de la que selecciono los siguientes párrafos:

Memorias incontestables.
De todas las películas que he visto a lo largo de enero, sólo una ha conseguido enfadarme: Vals con Bashir (2008), de Ari Folman. Me cuesta no compararla con Shoah (Claude Lanzmann, 1985), que he llegado a entender, después de mucho tiempo, como una de las películas más infames de la historia del cine. Ambas coinciden en adaptar el acontecimiento a la memoria, y ambas desde posturas que se quieren fortalecer en premisas arriesgadas: Shoah partiendo de la base de que el acontecimiento es irrepresentable, y Vals con Bashir depurando al máximo su representación. El problema que veo, entonces, su abyección, nace del punto en que acontecimiento y memoria se encuentran para explicitar un mensaje. Pienso en Mysterious object at noon (2000), la tremenda reflexión de Apichatpong Weerasethakul sobre la representación del testimonio.

¿Y por qué lo selecciono? Por Apichatpong en gran parte. Aquí el resto, mot-truos.

(Nota de Paco Fox: Impresionante raccord con mi realidad laboral que ha tenido Esteban al mandar esta aportación. Shoah se emitirá de un tirón (¡las nueve horas!) en Canal+ Xtra el domingo 12 y el lunes 27 de junio. Os juro que la decisión de comprar y emitir esto del tirón se rubricó en una reunión al grito de '¡No hay cojones!')

Tuneando rumbas

2011-05-27T11:20:00.002+02:00

Ente bloj entá un poco muerto. ¡Colaboren, leñe! Mientras tanto, os dejo un extracto del último G.Sanz, el cual andaba desaparecido en combate pero is back with a vengeance:

La Estrella de David
Maracaibo
(...)Cuatro años después de un debut injustamente inadvertido, su segundo álbum suena más descacharrado y brillante. Manuel Ferrón (Grupo de Expertos Solynieve) le cede una letra muy Nacho Vegas, Joe Crepúsculo tunea rumbas y escalofríoes y él, lo mismo cruza a Beat Happening con Jesus & Mary Chain que se marca una versión kosmische de La carretera (Roberto Livi para ¡Julio Iglesias!)

Aprecio especialmente eso de que el disco suene descacharrado y sea brillante. Me recuerda al momento en el que decidí que no seguiría una crítica musical más en toda mi vida. Fue exactamente cuando leí que un grupo demostraba una 'agradable impericia instrumental'. O sea que eran más malos que las galletitas de perro. No que yo las haya probado. Que sí.

D'A

2011-04-15T16:36:00.002+02:00

Solo en Barcelona podían llamar D'A a un festival, que, por supuesto, es de cine D'Autor, como no podía ser de otra manera: Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona.

Enviado por C'A (c'asco).

La imbecilidad del académico

2011-03-28T21:46:00.002+02:00

Supersantiego nos manda (y Otis B. Driftwood sugiere su publicación aquí en el mismo artículo) este post del blog Cisne Negro:

http://cisne.blogspot.com/2011/03/la-imbecilidad-del-academico.html

Lectura imprescindible. Un adelanto:

Los espacios nos introducen no sólo en la concreción pragmático-deíctica que significa toda recurrencia descriptiva, sino también en valores semánticos isotópicos que, estableciendo una interdependencia con la secuenciación narrativa, inciden en constelaciones mítico-temáticas cuya inferencia no sería perceptible si no es por la adecuación sintagmática de la recurrencia discursiva.

Y observen la etiqueta de este post: Sí. Va de tebeos.

G. Sanz, onvre sustantivo

2011-03-25T11:10:00.004+01:00

Os presento un G.Sanz de los hardcore:

ANÍMIC (Hannah)
Oxigenado tras su gira del verano pasado junto a Will Johnson (Centro.matic, South San Gabriel), el sexteto comandado por Ferran Palau y Louise Sansom no desciende de la cumbre Himalaya (2009) ni para tomar aliento. Más pop, menos (freak) folk e igual de fiel a un universo donde caben Jaume Verdaguer, Vashti Bunyan y Maurice Sendak, su nuevo álbum descubre el ritmo, incorpora sustantivos arreglos de cuerda de Jordi Matas y suena a madurez sobrevenida. O cuando las reminescencias mitológicas no se quedan en el título.

De cachondeo en Film Affinity

2011-03-18T08:58:00.003+01:00

Ray Martínez nos manda esta crítica de un onvre que se cachondea de las reseñas culturetiles de Film Affinity. Impagable.

Crítia literaria y pajas mentales

2011-03-14T08:53:00.004+01:00

Supersantiego nos manda este enlace a un simpático análisis de una crítica literaria cultureta en el blog Asia, Buda y rollitos primavera:

http://asiabudayrollitosprimavera.blogspot.com/2011/03/critica-literaria-y-pajas-mentales.html

Un bonito ejemplo que destaca el autor:

“… estas consideraciones ofrecen modelos explicativos importantes de sobredeterminación, aunque no elaborados en este caso (debido a limitaciones de espacio), para mi propósito de leer “Los comedores de perros” como un texto postmoderno por medio del ensayo de Jameson sobre la lógica cultural del capitalismo tardío y la crítica que Linda Hutcheon hace de Jameson y la elaboración de la dialéctica del postmodernismo como una “crítica cómplice”. Deseo relacionar la noción de textualidad con el “worlding” de Filipinas, tomando como punto de partida la reelaboración de Heidegger por Spivak, y explorar las implicaciones de la violencia epistemológica así forjada.”

En el link, mucha más diversión.

Gafapastismo Cañí

2011-03-11T09:11:00.001+01:00

Jordi Costa, ese jran intelectual de la inmundicia, mezcla a Paquirrín y Chaplin en su crítica a Torrente4.

Repitan el siguiente párrafo en la próxima tertulia dominical y ahórrense la vergüenza de tener que admitir que fueron a ver el flim de Segura “porque sale la Esteban”.

“A veces, estos parentescos casuales son de lo más esclarecedor. McBride, Hill y Segura juegan en la misma liga: la renovación del modelo de comedia de multisalas pos-Saturday night live de la mano del humor políticamente incorrecto, sustentada en esa tradición del cómico como materia oscura que podía haber inaugurado el Chaplin de la etapa Keystone, pero que acabó teniendo en W. C. Fields a su gran icono. En Torrente 4, Segura parece un Oliver Hardy del Lado Oscuro retratado en agresiva y supurante alta definición.”

Y en la foto un bigote de mucho renombre.

http://www.elpais.com/articulo/cine/Espiritu/nacional/lamparones/elpepuculcin/20110311elpepicin_8/Tes

Enviado por: Asier Albistur

Alertando de la propia representación

2011-02-28T12:26:00.008+01:00

Tremendo texto que nos manda Pedro J. sobre la película de animación Rango, publicado en la web scifiworld. No pienso cortar nada para que sufráis como lo he hecho yo:

UN POSICIONAMIENTO ÉTICO. A PROPÓSITO DE RANGO.

RANGO INCORDIA DESDE EL PRINCIPIO Y LO HACE DE UNA MANERA EJEMPLAR

Despertando el interés del vulgo, desplazando el aburrimiento acumulativo de los diferentes gags sincopados del comienzo del film hacia el entretenimiento puro, desubicando el punto de vista del narratario. Es una aproximación, no ya sólo al personaje principal, el héroe, sino a su mundo, presentándolo de una manera proscrita, rozando el desconcierto (sobre todo cuando aparece el armadillo chamánico), donde el espectador extrañado ante los singulares acontecimientos, no sabiendo a qué atenerse, en dónde agarrarse, es consciente, únicamente, del viaje que está a punto de realizar a esa tierra de nadie, símil perfecto de ese poblado llamado Dirt, a donde nos conducirá nuestro protagonista. Este desamparo narrativo esta construido bajo una perspectiva moderna, tremendamente clásica en su proceso creativo. Veámoslo.

De igual manera que la expedición punitiva de los habitantes del municipio, junto con Rango, se va abriendo paso subterráneamente, caminando por sus oscuras y terrosas galerías, intentando averiguar donde se esconde el agua robada del pueblo, la narración se va minando sobre una serie de detonaciones controladas con el único objetivo de alertar sobre su propia representación. Estos estallidos creativos se convierten en elementos/herramientas narrativas que percuten en el objetivo final de toda invención deconstruyéndola, mostrando sus entrañas, desvelando su tramoya ficticia. Uno de ellos es extradiegético a la narración, su duración. El tiempo de la historia de Rango no es el común a uno standard en la animación, salvo aquellas producciones que nos regala de vez en cuando el lejano Oriente, haciéndonos recapacitar las imágenes contempladas, siendo consecuentes con ellas y proponiendo significados alternativos analizándolas. Un ejemplo sería el homenaje que se esconden en el film, a Sergio Leone, y otros más soterrados al Spaghetti Western, como la variopinta indumentaria de Rango, que en un momento dado se enfrenta a su conflicto, como él dice, vestido únicamente con su ropa interior de un rojo chillón que recuerda al Terence Hill de las películas de Trinidad dirigidas por Enzo Barboni a comienzos de los años setenta. Un peaje agradecido al tiempo dilatado de la acción. El otro mecanismo, esta vez diegético a la ficción y que engarza con el espectador estableciéndose un vaso comunicante con el mismo, sería el coro de mariachis-búhos que ya no sólo establece un proceso informativo, sino que una conexión musical. Estos ítems que vertebran la historia plegándola hacia una cierta modernidad, no son suficientes para revolucionarla. No podemos engañarnos, y al final lo que vemos es una producción hollywoodiense, sediciosamente atrevida en su formación, pero conservadora en su finalidad. Lo que se nos cuenta es la clásica narración donde el personaje protagónico intenta buscar su sitio en la vida, es un pez fuera del agua. Es la historia del extraño que llega a una población y la cambia por completo para el bienestar de la comunidad. Un enfoque clásico embadurnado en perspectiva moderna, porque no hay que olvidarse de que esa búsqueda del destino de Rango, viene implícita en un cuestionamiento moral individual y es ahí donde asoma la punta del iceberg creativo de Gore Verbinski, ya que toda la historia se puede resumir en una pregunta que se hace Rango, al principio ¿quién soy? Y su respuesta, el desarrollo de la película. Todo un posicionamiento ético.

Por José Amador Pérez Andujar.

Enviado por: Pedro J.

Una inexistente estructuración convencional te iba a dar yo a ti...

2011-02-24T08:48:00.001+01:00

El título de la crítica de un señor que se llama Roger Salas a un espectáculo de danza en El País empieza en quinta, con el jran título "Toque al clítoris".

A continuación el párrafo que más me ha gustado:

"El poder de la música (a la que injustamente se le niega crédito en el programa) empasta y justifica esa resultante crítica, le da un sentido político específico. Una inexistente estructuración convencional, todo aquello que puede no ocurrir o acaso suceder en mucho menos tiempo, dimensiona la obra en una elegante levedad ralentizada, oscura. Piénsese en las tres gracias, en la posibilidad de una deconstrucción del canon pictórico o escultórico, donde Córdoba explota una pantomima doliente y referida al barroco, pero culminada irónicamente con un repetido y sobrio toque de clítoris que solo se permitiría Anaïs Nin."

¿"Una inexistente estructuración convencional"? ¿"Piénsese en las tres gracias, en la posibilidad de una deconstrucción del canon pictórico "? Really??? WTF...

Añádase a semejante orto de redacción, el hecho de haberla leído en el bar del polígano en el que trabajo decorado con jrandes obras como los cuadros de perros jugando a las cartas, cabezas de toro y botellas llenas de corchos usados, oyendo Cadena Dial a to meter. Un marco incomparable para semejante mamarrachada.

La ¿crítica? entera, aquí: http://www.elpais.com/articulo/madrid/Toque/clitoris/elpepiespmad/20110221elpmad_13/Tes

Enviado por: Peter M.

La alteridad de G. Sanz

2011-02-18T12:23:00.002+01:00

Marcel Cranc (Imagina)

Más banda que nunca, el proyecto del mallorquín Miquel Vicensastre consolida su alteridad en la escena pop en catalán, convertida en trending topic. Positivando la fidelidad de Jaume Compte (guitarra) y Josep Maria Umbria (teclados y programación), su tercer álbum sacrifica la electrónica en pos de un sonido catártico, vital y decididamente contemporáneo que podría sacar a Lluís Llach de su retiro. Y como ese lobo enamorado de Caputxeta, conmueve luchando contra su instinto esteticista a la espera de la victoria definitiva. Gerardo Sanz.

Mi teclado no tiene punto

2011-01-18T16:50:00.000+01:00

Hay algunos escritorcillos que creen que el punto reduce la calidad de los textos. Por eso se animan a estirar cada frase hasta el límite del absurdo. Que alguien trate de leer este texto en voz alta sin recurrir a la bombona de oxígeno.

"En el exacto meridiano que dibujan la fábula erótica al uso y el cine de acción más libertario y dado al despiporre estético está Chiqui ¡Bang! ¡Bang!, el último cómic que ha parido Hernán Migoya y que hace nada ha editado Glénat para disfrute del lector dispuesto a sumergirse en un relato donde lo que no se solventa con ultraviolencia hardboiled se resuelve con la fibrada e impactante figura de Chiqui Martí, Reina del Strip Art ©, y eje de una historia cuyo único horizonte, al menos a priori, es lo dionisiaco."

Otro párrafo muy interesante es este

"Tal como hizo en Olimpita (Norma Editorial, 2008), aunque con características valenciales diametralmente diferentes, Migoya explora en este volumen, y desde la narración, los límites y las declinaciones (el slapstick en el cine de acción, por ejemplo) que permiten los géneros mientras realiza una potente hagiografía de lo femenino, entendiéndolo como un ámbito de sumo interés creativo, como un territorio en torno al cual es posible moldear historias a partir de las más disímiles características genéricas y de modo. Ese ámbito de exploración es, también, motivo de gozo, porque aquí se resuelve desde la clave más liminar posible: la del desnudo."

¿Características valenciales?

El texto completo en el siguiente enlace: http://librodenotas.com/kliong/19726/el-gran-espectaculo-de-la-rebeldia-ha-comenzado

Enviado por: Un lector asfixiado.

Costa, modulando la toxicidad

2011-01-13T15:11:00.002+01:00

Extracto de la crítica de 'The Green Hornet', por un Jordi Costa muy cercano a G.Sanz. De hecho, creo que si ponemos el nombre de músicos y discos en lugar de actores y películas, el texto valdría como crítica de un CD.

La obra de Rogen adopta la forma de una serie de variaciones sobre un mismo tema (la amistad viril) y, tras abordar la estimulante modulación tóxica de 'Superfumados' (David Gordon Green, 2008), se centra ahora en una declinación del asunto firmemente enraizada en la cultura popular: la relación entre el (super)héroe y su secuaz.

Enviado por: Clayderman.

Comentarios sobre Origen

2011-01-05T20:14:00.002+01:00

Nos deja Yoyoucronia un comentario en el blog madre Vicisitud y Sordidez sobre el maravilloso mundo de los comentaristas de críticas ajenas metidos a pedantes sobresalientes:

La excusa es que nombráis a Origen, pero es que me muero de ganas de compartir este "comentario" gsanzico de Sailor en la crítica de Fotogramas:

No es el suyo un caso de efusividad excéntrica por lo formal con retranca de voyeur apasionado por la métrica de lo oculto.Ni tampoco será porque hay un elevado grado de pureza simbólica en su, llamémosla así, descortés narrativa, por lo que resulta tan complejo asomarse al interior de esta película.Más bien es el preciso ruido de fondo que acompaña al film, pesadumbre plástica,grácil como lluvia fina,imperceptible, incesante, lo que hace emerger a lo largo de su metraje pavorosas grietas y hendiduras,fisuras y magulladuras,lesiones y laceraciones conceptuales, tanto de naturaleza críptica como de indeterminada exuberancia imaginaria.En definitiva, “Origen” nos introduce en un paisaje turbio, mutilado, acompasado por un nutrido murmullo de susurros silabeados directamente al cerebro.

¿No habréis sido vosotros?

Respuesta de los editores: No. Ya nos gustaría.

Kraut meridional con pescaíto frito

2010-12-12T08:40:00.001+01:00

G. Sanz nunca decepciona:

Guardián de la heterodoxia del rock andaluz, el cuarteto sevillano Pony Bravo se sacude el sambenito de The Doors a orillas del Guadalquivir con su segundo álbum pleno de inspiración y no exento de locura. Macerada en un adobo de dub, psicodelia y kraut meridional, su devoción por la canción popular lo mismo cristaliza en un detournement del clásico de Manolo Caracol, Niña de Fuego, que en el epílogo Detroit-Techno de Le rave de Dios. Misticismo laico, sentido del humor y un potencial creativo a prueba de incrédulos.

Sigue así, GSanz. Eres el alimento de ente bloj.

Triunvirato en Taboo

2010-12-09T16:37:00.002+01:00

Desconozco el autor, pero me he encontrado este artículo en la revista Madrid en vivo GO! (todo mola más con una palabra de dos letras en inglés al final, casi casi como Paul Rodgers) y creo que mereceis conocerlo.

Taboo es la sala castiza malasañera que ha inculcado a sus visitantes el virus de la diversidad musical hedonista. Si tú también quieres contagiarte de este virus placentero y celebrar esos nueve años de la sala, no te pierdas el fiestón preparado para el jueves 23 con dos pedazo de bandas con tintes electrónicos: The Hard Core of Beauty darán su toque electro pop y Les Hommes Universels aportarán su fusión de lo vintage con la electrónica. Canalleo en forma de music hall cargado de sexo, erotismo y contoneo no va a faltar con The Shimmy Shakers y, para completar la noche [y la crítica...], triunvirato de Djs -Dane Le Style, Dragone Dj y Julius is Possible- para mover las caderas hasta el amanecer.

Ya sabemos qué tipo de gafas usan los de la redacción de ésta revista de conciertos... Un saludo!!

Enviado por: Dani GV

Dos iconos reunidos: JC y Apichatpong

2010-12-05T21:05:00.004+01:00

Nowhere boy nos remite un artículo - traducido del periódico Avui - en el que nuestro idolatrado Jordi logra el no va más, mezclar tendencias culturetas extremas (Los fractales, la "postmodernidad narrativa" de 'Perdidos' y, por supuesto, Apichatpong). El clímax es, sencillamente, sublime:

"Perdidos, de hecho, ha sido el gran folletón del nuevo milenio diseñado para familiarizar al gran público con algunas estrategias formales y narrativas que la gran literatura posmoderna ya hacía algunas décadas que exploraba: una visión compleja del mundo que bebe de conceptos de la matemática fractal-los algoritmos iterativos como modelo estructural-, la física cuántica-bilocación, la percepción no lineal del tiempo-y el misticismo-del cristiano en el Dzogchen del budismo tibetano-.

Uncle Boonmee recueda sus vidas Pasadas es una maravilla que encuentra la conexión inevitable (o la serena armonía) entre sabiduría ancestral, humanismo y radicalidad posmoderna. Es la antítesis de una obra excluyente: es la complejidad del Universo capturada en un discurso que trata el enigma con la cordialidad con que uno recibe un pariente en una cena de familia."

Apichatpong se merecía a Jordi at his very best, y lo ha encontrado. Falacias lógicas como apelar a la física cuántica se quedan pequeñas para Mr. Costa.

Mientras, los pocos científicos que lean esta cosa aún se estarán partiendo el chorizo (un físico teórico me consta que ya lo ha hecho).

Gracias, Nowhere boy, por esta maravilla.

Fútbol cultureta

2010-11-30T10:14:00.002+01:00

El mundo del fútbol era, hasta no hace muchos años, hermético al fenómeno cultureta. Jrandes como David Vidal, Javi Clemente o Luis Aragonés triunfaban a base de llamar al pan, pan, al vino, vino y a lo que se caga, mierda. Sin embargo, la llegada de la metrosexualidad ha abierto la puerta para que se hayan colado filósofos como Valdano. De todos estos, el más heavy es Juan Manuel Lillo. Y si no, lean su artículo dedicado al clásico Barça-Madrid:

No se puede disociar del contexto ningún espacio. Todos los aconteceres de ámbito espacial y temporal del partido tienen que ver con el todo. Que hablemos del medio campo no nos debe quitar perspectiva global, aunque el fútbol está muy lleno de frases hechas que disocian constantemente. Hay un precepto muy manido que es el de decir que los equipos empiezan de atrás para delante. Es totalmente acontextual. Ni empiezan de atrás hacia delante, ni de delante atrás: todo es una consecuencia de todo y todo es una consecuencia entre sí.

Sublime. Prueben a decirlo en su bar de cabecera. Más en el artículo completo.

http://www.lavanguardia.es/deportes/noticias/20101129/54077996473/el-arte-de-gestionar-los-espacios.html

Enviado por:

Ponzonha.es

ADLO traduce a Jordi Costa.

2010-11-15T17:27:00.001+01:00

Copypasteado de la soberbia entrada en ADLO:

Crítica traducida

En su esfuerzo por proporcionar un servicio a los millones de adláteres que nos siguen, desde ADLO! Sección Servicio Público hemos decidido traducir las críticas gafapastas de los diarios a un lenguaje que el resto de la humanidad pueda comprender. Para comenzar esta serie, hemos elegido la crítica de la película de Scott Pilgrim publicada en El País. De nada.

Arqueología del hoy

En su telecomedia Spaced (1999-2001), Edgar Wright forzó al máximo las limitaciones del lenguaje televisivo para emular una retórica filocinematográfica que hiciese justicia a la voracidad referencial de sus personajes: un repertorio-tipo de la generación que creció con la primera trilogía de La guerra de las galaxias y vivió su desencanto colectivo con el estreno de la segunda trilogía.

Hola, amiguitos. Hoy vamos a criticar una película que ha hecho un pavo que se dedicaba a hacer una telecomedia de esas llenas de chistes que sólo entienden los friquis.

Scott Pilgrim contra el mundo, adaptación de la serie de historietas del canadiense Bryan Lee O'Malley, es la película de Wright que marca su (¿temporal?) emancipación del grupo completado por sus dos compinches de Spaced -los cómicos Simon Pegg y Nick Frost-, pero, en cierto sentido, puede interpretarse como un intento de ajustar las estrategias de ese trabajo a otra sensibilidad generacional: la de los retoños amamantados con indie pop, educados en la dinámica del progreso y el crecimiento personal a fuerza de videojuegos, susceptibles de codificar su emotividad con el vocabulario icónico de un anime y empeñados en disolver las fronteras de su intimidad twitteando desvelos en 140 caracteres.

Pues resulta que el director, que ha tenido mucho menos éxito que sus antiguos compañeros de trabajo y ha tenido que buscarse las castañas en otra parte, ha sido listo y ha pasado de sus target habitual de treintañeros con síndrome de Peter Pan y ha optado por hacer una peli para los niñatos adolescentoides, que al fin y al cabo son los que llenan los cines y alguien tiene que hacer películas para que vean, porque si no se enfadarían de que les cobraran ocho o nueve rulos por comerse unas palomitas a oscuras.

Si, en el original, O'Malley se apropiaba, de manera un tanto tosca, de las caligrafías del manga para desgranar la épica sentimental de un posadolescente, enfrentado al pasado promiscuo de su objeto de deseo, aquí Wright convierte cada fotograma en exagerada caja de resonancia de una tentacular cultura pop conjugada en estricto presente.

La película está basada en un tebeo dibujado con un tío por un otro tío en estilo manga, que es lo que hacen todos aquellos que no saben dibujar pero quieren (aunque no lo merezcan) publicar un cómic. El tebeo va de un tío que se echa de novia a un putón verbenero, pero el director de la peli, que sabe que con eso no se va a ninguna parte, decide meter todas las referencias a la cultura indie pop que puede para alargar la broma y llenar el tiempo que le han dicho que tiene que durar la peli.

Es una de esas películas que sublevarán a todo purista que tuerza el morro ante la mera mención del concepto posproducción,

Lo único que llama la atención de la peli son los efectos especiales y demás florituras,

pero su incesante festival de pirotecnias confirma a Wright como formalista tan cargado de energía como capacidad de invención.

pero aunque la peli no tiene nada más, hay muchas lucecitas y eso y al menos las peleitas tienen ritmo y son originales.

El cineasta ha definido su película como el cruce entre una comedia de John Hughes y una película de Jackie Chan. La definición es ingeniosa, pero no exacta:

El director éste debería dejar de beber en sus ratos libres, porque lo flipa mucho:

en realidad, es una de esas películas que son, hasta tal punto, síntoma de su época que solo alcanzará la inmortalidad cuando se convierta en testimonio arqueológico de un mundo antiguo, desaparecido.

su peli es una mierda pinchá en un palo, pero seguro que dentro de unos años, para alguien será una peli de culto. Porque hay gente para todo.

Inapelable. Un aplauso.

Ricardo de Echegaray

2010-11-08T09:17:00.001+01:00

Ricardo de Echegaray

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Ricardo/Echegaray/elpepicul/19760704elpepicul_4/Tes

En el enlace de arriba la critica cultureta. Lo mando porque:

1. He llegado a ello buscando "geomorfismo" en google
2. Es del año 76
3. El segundo parrafo es genial y dice asi:

"Afines a un primitivismo intencionado, tienen estas esculturas algo de menhir (aquella porción de naturaleza en bruto, elegida y alzada por nuestro predecesor más remoto, apenas desertó del letargo secular y abrió sus ojos a la luz de la conciencia), y algo de rudo golpe (pese al refinamiento de su ejecución) contra la representación individualista y la plasmación académica del presunto equilibrio de la subjetividad del gesto y la objetividad de la naturaleza embargante."

Sois un faro de sabiduria en las procelosas arenas del internet. Keep searching for that rainbow.

Enviado por: Miguel

www.agustininaustin.blogspot.com

El G.Sanz de la semana pasada

2010-11-05T12:55:00.002+01:00

Tanto trabajo y se me pasa poner el G.Sanz del viernes pasado. Imperdonable, porque:

Si en The BQE (2009) apuntaba a Philip Glass de la generación ProTools, ahora el cantautor estadounidense se corona Prince del post-pop. Tan fácil de alabar como difícil de abarcar, su nuevo álbum purga la crisis existencial provocada por el éxito de Illinoise (2005) reconociéndose en la esquizofrenia paranoide del pintor Royal Robertson. Paleta electrónica y pincel confesional para 10 canciones y una opereta de 25 minutos coloreados de folk sicodélico, expresionismo orquestal, funk de los 70 y cualquier género posible o, hasta hoy, imposible.

... Y cualquier género que tú te inventes, GSanz.

Martin Scorsese: 'El cabo del miedo', el ángel vengador

2010-11-02T10:56:00.001+01:00

El "amigo" Adrián Massanet, de blogdecine, sigue perpetrando artículos que parecen sacados de vuestra guía vicisitúdica para escribir críticas al estilo de cierto sujeto.

Y cito (los subrayados son míos):

"[...] Este relato de venganza y angustia, basado originalmente en una novela de John D. MacDonald, podría haber caminado al lado de la inigualable ‘Taxi Driver’ (id, 1976) en lo que tiene de retrato de una obsesión enfermiza por parte de un personaje tan extremo, interpretado además por el mismo actor. Pero se queda en un brillantísimo ejercicio de estilo, realizado con la extraordinaria pericia de un director tan experimentado y deslumbrante como Scorsese, que se entrega sin complejos al género del suspense más hiperbolizado. Pero se le escapa el tono a ratos, como se le escapa el personaje de Cady y el espíritu final de la película. Con todo, estamos hablando de un filme de trazas notables. [...]"

El artículo entero en:

http://www.blogdecine.com/criticas/martin-scorsese-el-cabo-del-miedo-el-angel-vengador

Con este pollo tenéis una mina, hamijos.

Saludos cordiales de este, su seguro servidor,

Raúl

Gsanzismos

2010-10-27T14:56:00.003+02:00

Una nueva entrada de nuestro crítico favorito:

Disueltos Monade y con Stereolab en pausa indefinida, su vocalista supera el suicidio de su hermana menor con un emotivo debut en solitario. Partiendo del dream-pop de los primeros y del retrofuturismo kraut de los segundos, su viaje expiatorio aporvecha el pilotaje de Emmanuel Mario y Richard Swift para sobrevolar la campiña de la blada otoñal y los humedales de la torch song. Versiones de Wendy & Bonnie, Les Rita Mitsouko y el estándar Summertime rumbo a su investidura como la Nico de la generación indie.

Lo tiene todo: la metáfora llevada al absurdo, el soltar nombres, las enumeraciones de sub-sub-géneros, la Táctica E True Stories... un G.Sanz que no defrauda.

Capitalismo efímero no es un grupo de soft-pop indie

2010-10-15T08:56:00.002+02:00

Fragmento del libro Wikinomics (Ed. Paidos, 2006, pág 174) de Don Tapscott y Anthony D.Williams:

"El verdadero valor radica en organizar redes de innovación poco acopladas para capturar la serendipia y la diversidad de las innovaciones y el progreso científico. Redes de capital humano flexibles y distribuidas facilitarán la ejecución de proyectos con equipos ad hoc que convergen de forma temporal para reunir los activos intelectuales, financieros y físicos necesarios para sacar al mercado productos y servicios. Cuando esto sucede, tal vez apenas reconozcamos la forma corporativa que surge para facilitar este tipo de capitalismo efímero."

Los profetas del advenimiento de la web 3.0 son fuentes inagotables de culturetismo. He leído el párrafo anterior más de 10 veces y sigo como en la primera, perplejo y con la mandíbula desencajada (de tanto reírme). Estoy pensando en enmarcarlo y colgarlo de la cabecera de mi cama. No descarto que el susodicho párrafo aparezca en la próxima edición del diccionario de la RAE como definición de "bullshit".

Enviado por: Diego

A falta de G.Sanz, buenas son Costas

2010-10-03T11:07:00.004+02:00

(...) Machete más que un rutinario ejercicio de estilo basura y quienes se sentirán apelados por, aunque les cueste creerlo, su mayúscula dimensión poética. No duda ni un segundo este crítico en alinearse dentro de este último grupo, porque Machete, en efecto, esgrime con total conocimiento de causa la misma poesía abisal que una portada de prensa sensacionalista mexicana o que las viñetas de los procaces tebeos charros de la editorial Ejea, perlas negras de títulos tan sugerentes como Tierra brava, ¡Así soy...! ¿y qué? o Sensacional de luchas. Machete no es una impostura: es un trabajo tan puro y tan sincero, tan movido por el amor incondicional hacia las zonas umbrías de la cultura popular como la última novela de Hernán Migoya, Quítame tus sucias manos de encima. Por eso, está condenada a soliviantar a quien no formule en similares términos su pasión por lo Z.

Coda del proyecto Grindhouse (2007), Machete (que allí era un tráiler) se sublima en largo, que reivindica la funcionalidad política de la serie B en nombre de una inédita latin'xploitation. Su argumento aborda la dialéctica norte / sur, de un modo que tiene su correlato en la forma: el desliz ortográfico de serie Z (como los espaldas mojadas de la película) infecta al mainstream (la América blanca) en un recital de virtuosismo basura de alma épica, que alcanza la gloria por el camino de la bastardía.

Jordi Costa en El País: Alguien a quien mirar cuando nos falta nuestro G.Sanz.

Enviado por: Clayderman y Kike (y hasta visto en el Facebook de Supersantiego).

G.Sanz ha vuelto de vacaciones

2010-09-24T11:18:00.002+02:00

Erigido en el artista de sustrato indie con mayor repercusión internacional de la historia, Pablo Días Reixa cierra definitivamente la embajada española de Animal Collective y abre la delegación de su propio gobierno. Proscribiendo el sampler, el canario imputa la orfebería del pop de los años 80 a nueve canciones donden surfean compases caribeños, esenciales R&B y hasta interpolaciones a Radio Futura. Menos soleado que Alegranza (2007) pero delator de una madurez autoral e interpretativa que el lustre de la producción no debería eclipsar.

Si es que el clásico de este blog nunca decepciona.

Cachondeándose musicalmente de los culturetas

2010-09-14T16:52:00.003+02:00

Video con bigotones, satanes y una descripción perfecta de lo último en culturetismo:

Enviado por: La navaja en el ojo

Cultureta en la RAE

2010-07-29T12:40:00.000+02:00

A lo mejor no tiene mucho que ver con las intenciones del vloj, pero no he podido evitar acordarme de este sitio cuando he leído la noticia de que la próxima edición del Diccionario de la Real Academia Española de la lengua incluirá la palabra "cultureta". ¿Están vuesas mercedes consiguiendo algo jrande? ¿Es el inicio de una nueva era (más mala) para el culturetismo?

Éstas son las acepciones que recoge, las dos como despectivas y coloquiales, aunque de momento no es más que un avance de la vigésimo tercera edición:

cultureta.

1. f. despect. coloq. Actividad cultural que no alcanza un nivel aceptable.

2. com. despect. coloq. Persona pretendidamente culta. U. t. c. adj.

Aquí el enlace: http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=cultureta

Enviado por HansHelm

Eficiente y previsible como un tren británico

2010-06-28T09:35:00.000+02:00

http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/734291/acdc/eficiente/y/previsible/como/tren/britanico.html

Disculpad que directamente pegue el link, pero acabamos de llegar del concierto, y buscando una noticia sobre el mismo antes de dormir nos hemos encontrado con esto... y nos hemos acordado de vuestro blog inmediatamente.

Destacaría este párrafo:

¿Heavy? Heavy antes del heavy: tópicos de agradecida simplicidad cincelados a conciencia sobre la memoria de varias generaciones, curtidos con oficio y perseverancia en cierto ánimo colectivo. Hard-rock con turbo diez mil veces reiterado -al borde de la impostura, decía el maestro Manrique-, pero infalible en esta comunión acordada. ¿A qué más, entonces?

Saludos!

Enviado por: Silvia Rebollo

Rockdelux

2010-06-04T09:12:00.004+02:00

No sé si habrá echo ya acto de presencia por aquí la revista Rockdelux. En cualquier caso, es todo un filón para la guardia sórdida. ¡De hecho, recientemente descubrí con regocijo que en ella escribía también Gerardo Sanz! Pero para variar he optado por enviar esta otra crítica musical:

BALMORHEA

Constellations

Western Vinyl

Contemporánea. La luz de luna revela una forma distinta del mundo. Sombras, caras y curvas que sólo aparecen en las noches claras. Bajo esa luz, la música de Balmorhea adelgaza y se contiene. Como un reverso a esa aventura llena de pólvora y tierra que fue All is wild, All is silent (2009), Constellation barre de la mezcla muchas de las baterías, palmas, cuerdas y voces que formaron parte de aquel disco para dejar que el piano sostenga e ilumine estas piezas. El resto de la banda rodea y cobija esos acordes, los arropa, buscando el mejor lugar donde acomodarlos, sin tapar su sonido.

Una apariencia distinta del sonido que salpica los primeros rasgos del disco en las teclas de piano que caen con suavidad sobre los compases de To the order of the night, tan sobria como delicada. Es una fila de notas que se desordena y vuelve a formar en tantos otros cortes (Winter Circle, Herons y Steerage and the lamp). Igual que las estrellas que cientos de civilizaciones unieron en el cielo para dar vida a mitos y leyendas, para orientarse en el mar, Balmorhea destapan el sonido para encontrar el camino de su propia música.

Crtica por: Juan Monge

Aparecida en Rockdelux n284, mayo de 2010

A ver, puede que no se pierda entre las referencias como G.Sanz, pero el símil, eso sí, lo desarrolla de principio a fin, además con la agravante de que: ¿de qué va el título del disco? Bien, de constelaciones. ¡No tengo que quebrarme mucho la cabeza! No es que no se entienda lo que dice, pero una crtica deberia darme algún dato técnico objetivo que vaya más all del me ha gustado, y tanto lirismo parece un me ha gustado, pero más bonito.

Enviado por: D. Anselmo

Crítica de 'Habitación en Roma'

2010-05-24T15:33:00.002+02:00

Utilizando como reclamo comercial, morboso e ideológico un encuentro casual entre dos personas en mitad de la noche romana y su posterior desarrollo amatorio en el interior de una habitación de hotel, Julio Medem elabora una película cuya finalidad última es la reivindicación de sí mismo como artista y creador cinematográfico, como autor. Y este celo autoral auto-vindicativo desbarata la carga de profundidad del artefacto artístico que pretende articular, malbarata la esencia nutricia sobre el que se quiere edificar, abarata una propuesta de desnudez de la sustancia más íntima de la condición sentimental y humana, para simplemente ofrecer una epidermis esteticista y culturalista ahíta del soplo vital que debería recubrir todos y cada uno de los poros de la piel (película) mostrada al espectador.

Que la pareja protagonista esté constituida por dos mujeres responde a una estrategia ideológica y estética del director muy bien calibrada (amén de toda la explotación comercial, mediante la exhibición del espantajo del escándalo y la reacción cavernaria subsiguiente que puede generarse mediáticamente). El eterno femenino sobrevuela toda la historia, desde diversas perspectivas.

Por un lado, la exhibición de dos bellos cuerpos femeninos sirve como cebo para atraer a un público voyeur masculino y, al mismo tiempo, es todo un guiño reivindicativo para un público voyeuse femenino. La relación lésbica se sobrepone, intencionadamente, sobre la relación sexual per se, sin género, tal y como se encarga de remarcar el director discursivamente en el filme, por mucho que sus declaraciones vayan, por supuesto, en el sentido contrario: dotar de normalidad y visibilidad a lo que la sociedad ve como diferente. La dialéctica entre lesbianismo (sexualidad) congénito o adquirido surge en los diálogos de las protagonistas. También aparece la oposición entre placer vaginal y clitoriano, en una de las secuencias más grotescas y ridículas de la trama, a través de la posible inclusión de una botella de vino de la toscana (tamaño 3/8) como remedo de un vibrador que falta en los juegos eróticos, a punto de ser suplido por un pepino hervido que el servicial camarero pone a disposición de la pareja; en última instancia, el propio empleado está dispuesto a aportar su propio pene para llevar a cabo un trío. Las chicas rechazan el ofrecimiento.

No obstante este explícito telón lesbiano, Medem lo escenifica de la manera más trillada y tópica: una Elena Anaya (Alba) con el pelo a lo garçon desempeñando el rol activo (masculino), frente a una sumisa y dúctil Natasha Yarovenko (Dasha o Natasha) en el papel femenino (pasivo). Los cuerpos de las mujeres son iconos para las fantasías o el imaginario erótico-sexual masculino: la contundencia de su belleza se apropia de la pantalla, en una apología del esteticismo sensorial y sensual en detrimento de una mayor naturalidad de representación de la “realidad” lésbica de carne y hueso.

Prueba de este desaforado culturalismo estetizante es el propio afiche comercial de la película: todo un guiño a ese mencionado eterno femenino que la historia del arte desarrolló a partir del último tercio del siglo XIX, a partir del prerrafaelismo, del modernismo, la secesión, etc., origen de las iconografías sexofóbicas de la mujer (la depreadadora, la femme fatale), posteriormente aclimatadas como fetiches eróticos de la libido masculina, hasta alcanzar cierto estatuto pseudoartístico en las fotografías y filmes de David Hamilton (Tiernas caricias, Las canciones de Bilitis).

El esculturalismo estetizante corporal de las protagonistas impregna también el espacio en el que se desenvuelven sus caricias. La habitación del hotel es un remedo de belleza encapsulada, un museo claustral a modo de útero pictórico, que propicia el discurso ideológico de Medem. Los cuadros y frescos que adornan el cuarto se utilizan como cauce para erigir toda una teoría sobre la concepción artística del director vasco, amén de reivindicar ideológicamente el papel de la mujer, silenciado a lo largo de la historia. Por si al espectador más profano se le hubiese pasado por alto, hay varias secuencias en que se explicita, a través del diálogo de las protagonistas (peritas ambas en la historia del Renacimiento italiano), tal teoría: dos pinturas se confrontan en la habitación. Una de ellas está protagonizada por Leon Battista Alberti, El simposio (sí, como El Banquete platoniano, como el diálogo amoroso que están llevando a cabo nuestras protagonistas), impartiendo una lección sobre su concepción de la perspectiva que, claro, es la que asume el propio Medem y pone en escena en ese reducto habitacional en el que transcurre su película. Esta estampa del Quatrocento italiano dialogo directamente con una pintura que escenifica el Ágora griega del siglo V a.C. Así pues, hay un nada sutil hilo conductor, un diálogo ininterrumpido, a través de estos dos mil años de historia. Entre medias, la omnipresente cúpula de la Basílica de San Pedro, plano fijo que se contempla desde la terraza de la habitación, pues para algo estamos en Roma, aunque no haya ni un solo plano exterior de la ciudad, más allá de este plano panorámico de los tejados de Roma con San Pedro en lontananza. ¿Será el hiato que ha separado el contenido de ambos cuadros y la cosmovisión que ambos representan?

La mención al Ágora es todo un homenaje al amigo Amenábar, a su Hipatia, a un cine de recreación histórica con un señuelo de reivindicación feminista anacrónica e interesada que tan buenos créditos ha dado en taquilla. También es un extenso anticipo, al modo del mecanismo que utiliza Tarantino en sus películas, del próximo proyecto de Medem: ilustrar la vida y hazañas de Aspasia de Mileto, la mujer o compañera de Pericles. Aspasia es el nombre con que Alba, ingeniera mecánica, ha bautizado su último proyecto o invento: una especie de ciclomotor de última generación, ecológico y sostenible, faltaría más. ! El eterno femenino se transmite a través de los siglos. La mujer empieza a ocupar el lugar que le corresponde!

Un fresco que hay pintado en el techo del baño, una especie de recreación de la Alegoría de la primavera de Boticcelli, sirve para insertar el componente propiamente amatorio: una flecha de Cupido, en una secuencia poético-surrealista, hiere el corazón de la vulnerable Alba, tiñendo de rojo el agua de la bañera en que intenta ahogar el dolor por la inminente separación.

Finalmente, una estatuilla de la “Venus de Milo” estratégicamente ubicada y blandida por las protagonistas continúa aportando materia artística, referente cultural.

El carácter de entramado escenográfico que adquiere la habitación viene remarcado por el nombre del hotel: “Pompeio”, levantado sobre las ruinas del antiguo teatro “Pompeio” de la Roma imperial. Pues el director de Lucía y el sexo tiene meridianamente claro la tarea que se ha encomendado: subvertir desde dentro de la propia representación los elementos sobre los que ésta se sustenta. Tal subversión se convierte en un mero ejercicio caligráfico de egolatría autoral, de ostentación de sapiencia cinematográfica invasiva del relato, del guión que deviene en un simple MacGuffin por cuyos vericuetos deambula la cámara-mirada del director.

La materia argumental, la sustancia de los personajes y su construcción dramática son clamorosamente descuidados por Medem. La concentración espacial y la reducción temporal le obligan a una condensación en la enunciación y en la historia de la que deberían brotar los destellos poéticos que se persiguen. Sin embargo, el diálogo que se genera entre los cuerpos desnudos deviene ramplón y simplón, entrecortado, confeccionado más que con un sutil hilvanado, con hachazos narrativos.

Si la desnudez corporal debiera ser una muestra de sinceridad y de hondura afectiva, de entrega absoluta, los personajes tejen alrededor de sus juegos eróticos toda una red de mentiras o de medias verdades a fin de preservar su corazón de un posible dolor, preservación que resulta contradictoria con la situación diseñada. Llegados a este punto de despojamiento externo, ¿qué sentido tiene vestir sus sentimientos con falsedades? Obviamente, Medem persigue que la acción y el paulatino abandono emocional limen los parapetos sentimentales, el miedo al dolor provocado por el fantasma del amor, porque de un amor imposible se trata debido a la negación de romper amarras con el mundo exterior por parte de las protagonistas, al menos de una de ellas. Las historias que mutuamente se narran son rocambolescas, bizantinas, en un intento de estar a la altura del juego de espejos que la puesta en escena desarrolla. De acuerdo, pues, todo es representación, mentira y manipulación. Puestas así las cosas, se recurre a los orgasmos para alcanzar un clímax corporal que no discurre en paralelo con el clímax emocional, aunque tal sea la intención del director. Cuando el guión se atasca, el encuentro sexual ha de surtir un efecto desatascador.

Finalmente, se llega al meollo anímico de ambas mujeres: comparten una experiencia dolorosa, pretendidamente trágica (en el caso de Natascha roza el ridículo el tratamiento que se le da a los abusos sexuales paternos: origen de su sexualidad como mirona, ergo, motivo de placer, ahí es poco). Alba parece una nueva Sherezade contando historias de Las mil y una noches. Su quiebra emocional nos es mostrada mediante una filmación de móvil, en una especie de relato enmarcado actualizado por las nuevas tecnologías. Este breve cuento es protagonizado por Nawja Nimri, en euskera: peaje ideológico, seña de identidad medemniana.

Pero es en el movimiento de la cámara, en el propio discurso y enunciación de las imágenes, donde Medem explota sin ningún recato su satisfecha autoría. La película empieza y acaba con un largo plano secuencia que es toda una declaración de principios: la habitación es el panóptico que la cámara mostrará, el bisturí con el que intentará diseccionar emocionalmente a sus personajes. Nos mostrará sus cuerpos, pero poco más, pues la técnica sin más sólo es un instrumento, un mecanismo, pero no un fin en sí mismo.

El primer acto sexual es narrado desde una perspectiva imposible: desde dentro del cuadro protagonizado por Alberti que se encuentra encima de la cabecera de la cama. Para justificar esta imposibilidad (no estamos ante una película de ciencia ficción), Medem se ampara en el panoptismo generalizado y extendido a través de las nuevas tecnologías, a través de las imágenes captadas por los satélites y que el ordenador de Alba (verdadera ventana al exterior, más que la propia terraza del hotel) introduce en el espacio cerrado, al mismo tiempo que sirve para tanto para argüir sus mentiras como para desvelarlas.

Los únicos vestigios de esta noche de amor fou y catártico serán los que almacene ese ojo omnisciente y ubicuo. Allí se almacenará el secreto de una historia, un remedo de adulterio sin matrimonio (convencional), para consuelo y souvenir de las protagonistas.

Para finalizar, señalar la banda sonora de la película. La música ocupa un importante lugar, pues debe rellenar emocionalmente la falta de emoción que transmiten las imágenes; más que subrayar, raya directamente e irradia calidez: la canción de Russian Red se constituye en un ritornello, en un leitmotiv edulcorante, tan pegadiza y atrayente como superficial, pero cumple su función. Lo mismo la música de Jocelyn Pook, a mitad camino entre el ritmo del tango, de la música tradicional rusa y de ciertas arias operísticas. No falta tampoco una secuencia de karaoke desaforado, muestra del inicio de la complicidad y de la expansión afectiva, así como una secuencia de ducha donde las protagonistas entonan a dúo, para mostrar su goce y alegría el “Volare, uoouoo, caaantaaareeee…”.

Como decía Cesar Vallejo “En fin, simplificado el corazón,/pienso en tu sexo”. Una lástima y un derroche: por la ausencia de sentimiento que la película y el espectador requería y por el exceso de manierismo ornamental con que se cubre tal ausencia.

Como veréis, de principio a fin es un ejercicio de pedantería extrema. Aquí tenéis el enlace al blog donde lo he leído.

El mío es este: Davall un cel violeta

Si lo encontráis pedante también, no dudéis en usarlo si es menester :P

Besos

Mª José

G.Sanz ahumado

2010-05-14T13:41:00.002+02:00

Ahí vamos con un buen G.Sanz de viernes:

CYPRESS HILL (Rise Up)

Rescatado por el Snoop Dogg director de Priority tras su salida de Sony, el cuarteto californiano sigue en su nube de marihuana. Casi mejor porque, si baja, es para trillar el crossover hip hop-rock, variante emo-rap incluída, junto a Tom Morello (Rage Against The Machine), Mike Shinoda (Linkin' Park) y Darin Malakian (System Of A Down). De su octavo álbum, primero en seis años, quedan el decir ahumado de B-Real, la reinvención de Pass The Dutchie (Mussical Youth) y Armada Latina, canto al Caribe con Pitbull y.... ¡Marc Anthony! Gerardo Sanz.

Si bien su habitual técnica de invención de sub-géneros es la mar de simpática en esta ocasión, lo que más me ha gustado es ese 'el decir ahumado'. Porque normalmente, por muy formulaico y cultureta que sea, a G.Sanz se le entiende. Pero, ¿qué puñetas quiere decir con 'ahumado'? ¿Es algo positivo o negativo?¿Tiene que ver con el fuego o con la pesca en Noruega?¿Es, en realidad, señal de que le apetecen sardinas al espeto? Preguntas...

Los Pimpinetas en el bosque de las seguiriyas

2010-04-15T09:32:00.003+02:00

Los Planetas se salieron de la órbita clásica del rock hace tres años con 'La leyenda del espacio', disco basado en palos flamencos.

El éxito de crítica compensó el disgusto de sus fans más conformistas y ahora, con 'Una ópera egipcia' (Sony), se internan en un bosque donde crecen colombianas, seguiriyas y peteneras envueltas en un luminoso pop o sumergidas en un psicodélico océano de ruido.
[...]
El grupo cuenta con la bendición de Enrique Morente (pionero de la fusión entre flamenco y ruido en los noventa junto a Lagartija Nick), que presta su voz en la abismal 'La pastora divina', seis minutos indomables de ruido oscuro, quejíos lisérgicos y ritmo procesional. "A Morente le encanta el disco. Dice que esto que estamos haciendo con el flamenco es importantísimo", reconoce el cantante de Los Planetas.

El disco tiene más novedades. Ana Fernández, también conocida como La Bien Querida, canta 'La veleta' y hace coros en 'No sé cómo te atreves' (lo más cerca que han estado Los Planetas de Pimpinela). Además, hay coqueteos con la electrónica, senda que en principio no les seduce completamente. "Yo me divierto más con una guitarra que con un teclado. La base del grupo es la guitarra, la batería y el bajo", subrayó ayer Florent, el guitarrista.

Extracto del artículo de Jess Miguel Marcos, aparecido en Público, 14 de abril de 2010.
Enviado por: Don Anselmo

P.S.:...si hubiera de empezar a aficionarme a los Planetas, no me cabría ya ninguna duda de por que canción empezar.

G.Sanz, ese romántico existencial rebajado de ironía

2010-03-26T10:55:00.003+01:00

Otro viernes, otro G.Sanz que no decepciona. Ente onve es un tesoro nacional.

"(...) Su séptimo álbum de estudio, el primero en cinco años con material nuevo, tramita el acta de su definitiva conciliación poniendo toda la carne en el asador del estilo. Melodías soft-rock de ascendente country, exquisitos arreglos de cuerda y viento por gentileza de Mark Nevers (Lambchop) y romanticismo existencial rebajado de ironía. Como agua de mayo sobre mojado." G.Sanz

El pseudorretórico. Una gran definición

2010-03-24T18:50:00.004+01:00

Para hablar, el pseudorretórico busca oyentes que no sepan de qué habla. Conoce las miradas perplejas y el parpadeo del desamparo cuando se dirige a alguien, y sólo se lanza a perorar si el desamparo le parece suficiente. Las ideas afluyen a su mente y pronto dispone de una cantidad pasmosa de argumentos que, en otras circunstancias, no se le habrían ocurrido: siente cómo puede ir enredándolo todo y se encumbra hasta el más recóndito de los delirios: en torno suyo la atmósfera se carga de oráculos.

Pero hay de él si por el rostro del interpelado cruza una iluminación repentina, algún atisbo de comprensión: el pseudorretórico se derrumba por dentro, se atasca, tartamudea, se interrumpe, vuelve a probar sumido en la más penosa de las turbaciones y, cuando ve que todos sus esfuerzos so vanos, que el otro entiende y está dispusto a seguir entendiendo, se rinde, enmudece y se aleja bruscamente.

Tales derrotas no son, sin embargo, frecuentes. Las más de las veces, el pseudorretórico logra permanecer incomprendido. Tiene experiencia y escoge a su gente, no se dirige a cualquiera. Conoce a esa especie que se presta a todo. ¡Como si alguien pudiera prever sus temas de conversación! Ni él mismo los conoce de antemano...

Fragmento de El pseudorretórico, de Elías Canetti.

La invasión de los recursos caligráficos

2010-03-22T09:08:00.002+01:00

¿Os pongo negritas? venga va:

La invasión de los recursos caligráficos

ALBERT SERRA JUANOLA, director de cine

Un amigo mío miró hace poco un documental hecho en 3-D y descalificó la experiencia con un observación evidente: "Es que no añade nada".

El cine en 3-D existe desde hace mucho tiempo y, sin embargo, nunca ha atraído la atención de ningún director interesante (excepto Alfred Hitchcock, si no recuero mal). No soy una excepción a esta regla. A pesar de la naturaleza ontológicamente realista del cine, la imagen es un signo que puede llegar a interesar artísticamente no por lo que muestra, sino por lo que expresa. Algo que está más allá de la imagen y de la historia que esta nos cuenta. Algo que no está tan claro, y que afecta más a la dialéctica entre el proceso de fabricación de la película y su forma definitiva: el conjunto de reglas internas que al final la gobiernan y de donde se desprende su belleza como obra de arte.

Se dijo que con la llegada del cine sonoro se perdía capacidad expresiva; es cierto. Se perdía una capacidad fundamental del lenguaje visual que es la abstracción y todo el refinamiento que esta conlleva. La imagen se volvía más ilustrativa y el lenguaje cinematográfico se empobrecía; hasta que la nouvelle vague y cierto cine experimental hacen un uso más sofisticado del sonido y lo separan de la imagen para que pueda recibir un tratamiento propio y pueda relacionarse con esta por otro tipo de relaciones aparte de la contigüidad ilustrativa, como, por ejemplo, por contrapunto.

Nada de esto tiene que ver con el 3-D. Ni siquiera representa un empobrecimiento de la imagen: simplemente no es nada.O acaso una mediocre ampliación de un recurso elemental de la imagen cinematográfica: su capacidad material de reproducción de la realidad que, paradójicamente, por el aturdimiento ocular y la fatiga mental que provoca en el espectador, puede llegar a ser intrínsecamente nociva para su propia finalidad. No digamos ya para esa segunda película o segundo nivel de comprensión de la que hablaba al principio y que se basa en las asociaciones visuales, culturales, personales, etcétera, que el misterio de las imágenes ayuda siempre a agudizar.

El 3-D no es un recurso formal, sino caligráfico. Y sólo afecta, de momento, al cine comercial. Pero, involuntariamente, evidencia al mismo tiempo lo mucho que cierto cine de autor se apoya, en el fondo, en conquistas paralelas e igual de vacuas que el 3-D y que ya están destruyendo la autenticidad de gran parte del cine artístico moderno: ya están en todas partes la caligrafía narrativa, la caligrafía referencial, la caligrafía dramática, la caligrafía metafísica, etcétera.

La destrucción de la autenticidad del imaginario colectivo es la consecuencia más evidente de esta invasión caligráfica; y su síntoma más claro, el auge del videojuego (siempre asociado al 3-D), engendro diabólico y repugnante, joya de la corona de esta invasión catastrófica, pura caligrafía conceptual.

Enviado por: Pedro Vallín

G. Sanz: ¿Acaso seré yo?

2010-03-13T11:38:00.002+01:00

Está claro: G.Sanz casi nunca defrauda. Cuando el blog se tira un tiempo sin recibir contribuciones, sólo hay que echarle un vistazo a La Luna de Metropoli.

NACHO UMBERT | 'Ay...' (Acuarela) | Valoración: 4

Catorce años después del inolvidable Adiós (1996) de Paperhouse, el que fuera su vocalista y principal compositor regresa con un título que se sabe suspiro, quejido y expresión de una exquisita sensibilidad. Bajo la producción de Raül Fernández (Refree), el cantautor barcelonés colorea con su barítono viñetas de un costumbrismo evocador y casi mágico. Chelo, trompeta y coros de Silvia Pérez Cruz, para una orgánica interjección de pop acústico que cambia la socarronería de Sr. Chinarro por el acaso de un Bill Callahan mediterráneo.
Gerardo Sanz

¿Se puede ser más pedante definiendo un estilo musical? (Crítica cultureta hasta en las descargas)

2010-02-25T11:11:00.001+01:00

Después de descargar un live del DJ Henry Saiz me di cuenta que venia un archivo txt con un pequeño escrito sobre su estilo y su música. Que conste que la música a mi personalmente me gusta pero aquí os dejo un par de perlitas del texto:

- El madrileño Henry Saiz es el principal culpable de que el emo-techno maximalista, revestido de sofisticada IDM, diestramente salpicado de acidez y siempre marcado por esa esencia neo-trancera y progrépica, haya logrado alcanzar nueva cotas de brillantez y exquisita dimensión.

- ... paralelamente, Saiz ha ido consolidando su live -un inédito y auténtico viaje por estancias de techno electrónico en la que la emoción progresa y se amalgama de forma tan natural con lo sintético, que llega a confundirse en un solo sonido.

¡¡Vaya tela!!

Enviado por: Pau Sánchez

La crítica es pa listos: Avatar

2010-02-20T19:14:00.002+01:00

Tras el post sobre el encuentro de titanes Costa/Rebollo, se organizó un buen revuelo en el Focoforo.

Paco y un servidor contemplamos admirados los comentarios, aunque tampoco hacía falta responder. Más de un participante en el foro sabía enunciar - mucho mejor que nosotros - nuestra postura.

Tras el debate que allí había - a ratos estéril y faltón - surgió una OBRA MAESTRA ABSOLUTA:

Nuestro querido Milgrom se aplicó el "Show don't tell" y ha fecho una crítica que, con la mejor/peor de las intenciones lucha por la pole position de todo lo publicado en ente vlog:

Léanla - y gócenla - aquí.

Demostración inapelable de que el criticar los ejercicios de erudición chorra en las críticas no conlleva automáticamente el "no tener estudios".

Jlorioso, Milgrom.

Costa y Rebollo: Encuentro de titanes

2010-01-29T19:19:00.002+01:00

Javier Rebollo ya protagonizó una entrada de este blog cuando acababa de terminar de rodar 'La mujer sin piano'. Todos nos regocijamos con sus inigualables declaraciones. Pero no sabíamos que el placer humorístico retornaría con fuerza cuando el también habitual Jordi Costa se dedicara a demostrar su inteligencia a la hora de hablar de la película.
Rebollo/Costa. Un encuentro cósmico que podría agrietar el continuo espacio-tiempo, si no fuera porque sabemos que el Megacristo está vigilando.

En su segundo largo, Javier Rebollo hace con Carmen Machi algo parecido a lo que Beckett hizo con Keaton. La actriz -de registros expansivos- puede haberse sentido como el huevo que pasa a formar parte de la lógica sustractiva de una tortilla deconstruida, pero el resultado provoca más fascinación que desconcierto.
(...)
La mujer sin piano podría ser la historia de una mujer que se transfigura en otra, durante una noche oscura del alma, para acabar volviendo a sí misma. O no, porque hay viajes que no admiten la posibilidad del reingreso.
(...)
"Y no acaba esta noche. Debería / llegar en este instante el fin del mundo", escribía J. M. Fonollosa en la estrofa final de East 47th Street. La noche de La mujer sin piano es, en cierto sentido, como la de ese poema. Una noche severa y enigmática, con notas de slapstick desecado, donde el motor del movimiento es irrelevante: el sentido y el espectáculo están en la tensión -y el misterio- de ese movimiento.

La crítica completa, aquí.

Apichatpong Weerasethakul

2010-01-18T13:08:00.004+01:00

Buenas,

He aquí un excerpto de algo que creo que merece estar por oeufs en el Cultureta.

Pongo dos fragmentos porque no consigo decidirme por ninguno de los dos. A decir verdad, ya me cuesta extractar algo de un post que, de principio a fin, se merece eso y más. El enlace al artículo completo: http://juanfranciscoferre.blogspot.com/2010/01/maldito-avatar-el-cine-de-2009-2.html (efectivamente, hay una primera parte, pero no me atreví a leerla).

Enviado por: Economato.

Pd: Lo de Apichatpong Weerasethakul me ha llegado al alma.

"1. La cartelera española, tanto la de salas como la de DVD, sigue estrechándose peligrosamente en detrimento de a) las producciones europeas más creativas (con particular ensañamiento en el cine francés, el más vivo de los europeos, con la excepción de Cantet, “palmificado” en Cannes, y Desplechin, un empeño cinéfilo que oculta el desprecio de la distribución hacia Claire Denis, Bruno Dumont, Philippe Garrel, Catherine Breillat, Bertrand Bonello, Philippe Grandrieux y tantos otros); b) las producciones asiáticas (sólo Kore-eda, un Ozu de última generación, un Takeshi Kitano y un Nobuhiro Suwa que aún no he visto, y un fallido Hou Hsiao-Hsien se salvan de la quema de estrenos, mientras películas fundamentales recientes de Kiyoshi Kurosawa y Johnnie To, Apichatpong Weerasethakul y Tsai Ming Liang, Hong Sang-soo y Takashi Miike, Park Chang-wook y Kim Ki-duk, Raya Martin y Brillante Mendoza, entre los más grandes directores asiáticos del momento, permanecen inéditas sin excepción); y c) el cine norteamericano más estimulante (Synecdoche NY, Two Lovers, The Girlfriend Experience, The Hurt Locker, etc.), preterido por sus propias distribuidoras en un caso, único, de colonialismo auto-castrador…"

"9. Cualquier discusión sobre la era digital con un mínimo de rigor debería comenzar por una comparación entre Avatar y Gamer, ya que ambas comparten la misma idea narrativa: una especulación sobre conexiones neuronales que transforman la realidad y el cuerpo en un campo de exploración virtual (¿no es esto una buena descripción de lo que supone el cine como medio?). Y, en cuanto a las posibilidades estéticas de los efectos digitales, otro punto de partida a tener en cuenta sería una comparación entre la asombrosa “vida artificial” mostrada en Avatar (compuesta de una fauna y una flora mutantes) y los logros de Sokurov en The Sun durante las intensas secuencias del bombardeo onírico (mucho mejores que en cualquier anime de Miyazaki y demás colegas nipones), donde los aviones y las bombas, en medio de la humareda y visiones distorsionadas, adquieren una inquietante apariencia pisciforme. Avatar, por su parte, digan lo que digan sus detractores, consuma el ilusionismo cinematográfico versión Méliès: un cine para tocar con los ojos, ver con las manos, etc. Con categorías procedentes de la tradición de los Lumière y los Rossellini, muy respetables por otra parte pero ya insuficientes para juzgar el cine contemporáneo más que en sus variantes más minimalistas y esquilmadas, no se puede decir otra cosa que tonterías, ya sea sobre Avatar o sobre Prospero´s Books. Y, por último, ¿no es el transfert final de Avatar de un cuerpo disminuido en su potencia a un cuerpo pletórico la mejor propuesta que ha hecho el cine reciente de esa gran promesa de entregar un nuevo cuerpo al tetrapléjico espectador cartesiano? ¿Qué pensaría de todo ello el viejo Artaud? No pretendo hacer de Avatar lo que no es, pero me molesta la falta de inteligencia crítica y el exhibicionismo de prejuicios vacuos, más que nada, con que se la ataca sin entender del todo el designio de un artefacto como éste…"

NOTA DEL ADMINISTRADOR: Entiendo que nombrar a un director raro no es necesariamente una culturetada (el cómo es lo importante, pero eso es otro tema). Pero es que se llama APICHATPONG WEERASETHAKUL. Tenía que poner su foto para ilustrar el post y su nombre como título. Chiquito de la Calzada estaría orgulloso.

SOUTHLAND TALES

2010-01-12T09:01:00.000+01:00

Este sistema de añadidura extradiegética que emplea Kelly a todos los niveles de su cine, ha sido uno de los grandes hándicaps de cara a la conexión en masa con un público poco acostumbrado a ahondar en posibles nuevas formas de consumo cinematográfico, en el que las múltiples lecturas/visiones de una película no sólo pueden variar según el consumo de cada cual de otras formas de cultura (desde el cómic hasta el arte pasando por los videojuegos y la televisión) sino que éstas tienen una implicación activa dentro del acontecimiento de la pantalla (lo cual, por otra parte, no impide el uso y disfrute lineal de la película). De esta forma Kelly envuelve sus películas en un entramado que traspasa el visionado cinematográfico llevándolas a un estado que las convierte en auténticos fenómenos de culto. Si en Donnie Darko la publicación (parcial y real) del libro de la Abuela Muerte se ocupaba de llevar a la vida algo del espíritu de la película, en el caso de Southland tales la publicación de una precuela en formato cómic denota el interés de Kelly por fabricar mundos dentro y fuera de la proyección (algo que cada vez más se hace de mano del márketing, como demostraron el fenómeno en internet de El proyecto de la bruja de Blair o la publicación online más reciente de los cómics de la serie Heroes). Un nuevo concepto de cine que apuesta por el ensamblaje para dar forma de pulpo a un fenómeno (el cinematográfico) que ha sido generalmente explotado en su sentido bípedo.
http://videodromo.wordpress.com/2010/01/09/southland-tales/

Enviado por: Tales de Pascuales

Otro gsanz para la colección! marchaaando una de trovadoras afincadas en Portland

2010-01-11T08:58:00.000+01:00

Otro gsanz aportando datos microscópicos, relaciones cogidas por los pelos y citas a grupos que sólo ÉL conoce... pa´bernos matao.

LAURA GIBSON 'Beast Of Seasons' (Souterrain transmissions/Pias)
Valoración: 4

Vocalista de sesión para The Dodos, íntima de Laura Veirs y vecina favorita de The Decemberists, la trovadora afincada en Portland no se resigna a la suplencia: aspira al puesto de Joanna Newsom en el quinteto inicial del nuevo folk y le sobran fundamentos. Tantos como minutos hay en su tercer álbum: nueve canciones de comunión y funeral escritas frente a un cementerio, bien arregladas por músicos de M. Ward, Menomena o Bright Eyes y exquisitamente producidas por Tucker Martine (Sufjan Stevens). Garantía de titularidad.
Gerardo Sanz

un saludo amigos, seguid dandole duro.

Enviado por: Carlos Moya

Sin transitividad no hay paraíso

2010-01-06T20:08:00.002+01:00

Una crítica del tremendo Alfonso Crespo encontrada en Europa Sur y, según creo, en varios otros periódicos del grupo. Seleccionada al azar por mi pobre padre para demostrarme por qué no soporta a este señor:

Snake Eyes:
Amigo de la intransitividad divertida y juguetona (amén del plagio, ya explícito o velado), el bueno de De Palma tiraba aquí del productivo guionista David Koepp (Atrapado por su pasado, La habitación del pánico) para que le compusiera un macguffin de hora y media (un detective tras la pista de un criminal que ha asesinado al Secretario de Defensa en el transcurso de un combate de boxeo) en el que pudiera dar rienda suelta a su lujuriosa y fascinante imaginación visual (...).

Da igual el usual odio al punto y seguido, que me ha hecho copiar más líneas de las que quería. Da lo mismo el turbador uso de la palabra 'lujuriosa'. No importa el también habitual en este blog amor a los paréntesis. Lo importante aquí es:

¿ Qué coño significa 'intransitividad divertida y juguetona'?

Acojonados ante el enigma que se nos planteaba, nos fuimos a la RAE. Efectivamente, 'intransitividad' viene de 'intransitivo'. Y esa palabra sólo se aplica a los verbos sin complemento directo. O sea, que el no tener complemento directo es algo que lleva a la diversión y el jugueteo. ¡Y yo creyendo que eso sólo lo otorgaba un buen día de Reyes! O un buen polvete. ¡Seamos todos amigos de la intransitividad! ¡Alegría! ¡Fornicio! ¡Viva De Palma!

Juan Fernández-Cuesta, El Sórdido

2010-01-04T10:49:00.002+01:00

Juan Fernández-Cuesta es uno de esos grandes sordidos desconocidos, redactor jefe de la seccion España de ABC, que se dice pronto, es ademas su critico de vinos, gran defensor del vino español frente al frances y de los vinos baratos frente a los caros. Cada sabado nos ofrece una de sus criticas. Aqui va una de las ultimas. Les invito a que busquen y rebusquen. Comparen, pues no van a encontrar algo mejor.

CORONA
*****

Añada: 2005. Origen: D.O.C. Rioja Variedades de Uva: viura (85%). garnacha blanca y malvasía. Grado de Alcohol: 13%

"Como notas de una guitarra, cadenciosas pero vivas. Como gotas de agua que caen ya solitarias. Una a una. Recuerdos de paz que resbalan por el cristal. Como el beso de despedida después de opípara comida que te devuelve la naturalidad. Así se mueve Corona. Como una leve insistencia, leve pero insistencia. Como la suavidad de una caricia, suave pero caricia."..."Y se viste con la barrica. Y se viste para Navidad. Para ser uno más y llenarnos de su verdad. Son sensaciones conquistadas, sensaciones placenteras." Aqui la critica entera aunque sin referencia alguna al vino del que habla?!

Su blog

(enviado por A. Rivera)

Un regalo navideño de G.Sanz

2009-12-25T13:35:00.002+01:00

Un gsanz de libro: parece hecho siguiendo al pie de la letra las instrucciones del artículo 'Aprende a escribir críticas como G.Sanz':

CALIFONE | 'All my friends are funeral singers' (Dead Oceans/Popstock!) | Valoración: 3,5

Emblema de la Americana menos acomodaticia, la reencarnación de los hoy olvidados Red Red Meat continúa caminando por los arcenes de la excelencia. Su nuevo álbum, banda sonora no oficial del homónimo debut cinematográfico de su líder, Tim Rutili, demuestra que no ha perdido la brújula. Folk de los Apalaches y Psychic TV, épica post-rock y Captain Beefheart, pastorales ambient y hasta un homenaje a Luis Buñuel en un cancionero que, como el filme que lo inspira, señala un Norte de claustrofobia y fantasmas. Por Gerardo Sanz

G.Sanz refina la técnica de soltar nombres

2009-12-18T13:37:00.003+01:00

Existe una técnica clásica del crítico cultureta: mencionar de pasada el nombre de algún grupo extremadamente raro. Da igual que la relación con el cd sea muy tenue. De hecho, si se tratara del tipo que tocaba en la calle en frente de la frutería a la que la madre del artista iba de joven, también valdría.

Gracias a este método se alcanzan dos objetivos: rellenar espacio sin hablar de la música en sí (máxima aspiración del crítico musical), demostrar que eres el más entendido a este lado de Torrelodones y, por supuesto, hacer que tu lector se sienta totalmente estúpido, inculto o desleal hacia su artista favorito por no conocer a esa gente tan rara.

G. Sanz es un experto en esto.

Como no podía ser menos.

Ahí va su nuevo regalo enterico:

CATE LE BON 'Me oh my' (Irony bored/Popstock!) Valoración: 3,5
Telonera de Gruff Rhys (Super Furry Animals) y vocalista invitada en el inolvidable I Lust U (Neon Neon), la cantautora galesa estrena el sello de su mecenas con un álbum que suena a Nico rediviva. Con Vashti Bunyan y Bobbie Gentrie como damas de compañía, la musa de la Velvet Undergound se reencarna en una decena de perlas folk ensangrentadas de psicodelia sesentera por el filo instrumental de varios ex Gorky's Zygotic Mynci. Definitivamente, el trono del romanticismo oscuro queda a un par de estribillos. Por Gerardo Sanz

Enviado por: Paco Fox

Oxímoron andante

2009-12-04T17:06:00.003+01:00

Salomón Shang hablando de su propia obra:

En Cinéclub reivindico mi condición de cinéfilo ambivalente, como oxímoron andante en el que en su día peleaban las modernidades (la presión de la tradición europea por la que creo sentir afinidad; la experiencia de los grandes clásicos) con las corrientes populares (ese cine abigarrado, principalmente hongkonés, que devoraba junto a mis amigos), es un espectro más del cine anónimo, sin nombre, de mi película, ese cine que cierra sus puertas, inevitablemente, con una película de un pionero (Griffith).

[...] El plano pictórico es el que es hermético, aquél que por un instante nos parece enmarcado, no sujeto a la dinámica metonímica [...]

[...] son las fuentes sonoras las que se pueden encargar de horadar el plano [...]

[...] La profundidad sustituye al habitual despliegue analítico en tomas, [...]

[...] La dominante autorreferencial es absoluta en Cinéclub [...]

[...] alguien que desee detener el tiempo y volver a una arcadia inamovible [...]

[...] víctima de la dimensión frankensteiniana del cine, parece implicarse con la ilusión); a la cual podemos añadir, durante algunos segundos, a la joven taquillera cuando se abisma en él desde detrás de la pantalla. [...]

[...] De unas películas que ya son historia porque sólo siguen interesando a aquéllos individuos totalmente descontextualizados.

Enviado por: Nava.

G.Sanz regresa con fuerza

2009-11-13T12:23:00.002+01:00

Tras un tiempo en horas bajas o, directamente, sin publicar, regresa el inspirador de ente blós con una de sus más jrandes contribuciones. Disfruten:

JOE CREPÚSCULO: CHILL OUT
Con los mentideros del indie por montera, el barcelonés Joël Iriarte brinda al tendido el espectáculo de su ineluctable madurez. Menos bullidor que el primero y más orgánico que el segundo, su tercer disco en 20 meses ilustra la transición entre la novillada tecno-pop y la alternativa de la composición seria. Baterías reales y aires de rumba ácrata, guitarras muy Mark Knopfler y euforia eurodance, góspel de derribo y hasta un estribillo robado a Maná (sic) en 12 canciones para exhibir torería en karaokes futuros. Por Gerardo Sanz

Sólo puedo decir: ¡Ooooole!

Intersticios de un paisaje de la conformidad

2009-11-03T08:57:00.001+01:00

"Petit indi es, al mismo tiempo, fábula, relato de iniciación y western invertido, relato fronterizo cuyos protagonistas no son colonos de un territorio virgen, sino los últimos mohicanos en los intersticios de un paisaje de la conformidad".

Es una crítica de Jordi, claro, pero eso no hacía falta decirlo.

Enviado por Lucía.

No todos los autores son iguales, aunque lo diga "Zipf"

2009-10-29T09:47:00.002+01:00

Hasta ahora creo que se os ha escapado un personaje especialmente inaguantable y que resulta pedante desde la foto, trata de quitarle hierro con su presentación, y demuestra que se comió el diccionario, le sentó mal, y desde entonces lo vomita sobre todo lo que le pilla cerca. En cada artículo hay un momento para llorar, tanto por su forma de esconder su mensaje, como por lo estúpido que este resulta.

Artículo: La Ley de Zipf
http://www.fantasymundo.com/opinion/sergioparra/25/ley_zipf

[...]Y entonces es posible que descubramos algo asombroso. Algo que cambiará toda la estructura de la literatura, basada en la adjudicación de X texto a X autor, de manera individual. Descubriremos que la originalidad es una entelequia, que la creatividad sólo es la recombinación de cosas ya escritas, que la voz propia sólo es plagio que pasa inadvertido, que los autores individuales no existen, que los derechos de autor no tienen sentido… que la literatura, en suma, es una composición multicapa de memes que los llamados escritores agitan y agitan en sus devaneos posturales incansablemente estéticos.

No os recomiendo leer mucho más de él (eso sí, todo esto está en un portal friki, que manda narices). Sí conviene dar un mensaje para navegantes desorientados por usar la brújula equivocada: sí hay escritores diferentes, sí hay obras diferentes. Algunos andan justos de sentido común y sobrados de ego, tienen la viga y la paja todo en su propio ojo, y no callan porque les sobra tiempo libre. Y cuántas tonterías dicen.

Enviado por: Miguel

Patchwork de highlights

2009-10-24T08:21:00.002+02:00

En una corrosiva crítica de Y la nave va... (1983), Olivier Assayas comparaba los últimos films de Federico Fellini con carpas de circo. Cada escena, decía, tiene que ganar una partida, aunque también la puede perder. No es casual que el propio Gilliam haya evocado Amarcord (1973) como modelo de cinta-compendio a la que aspira en este imaginario del doctor Parnassus, que es como el imaginario del doctor Gilliam. Está el aliento meliesiano de Las aventuras del barón Munchausen (1988); el mundo del otro lado del espejo de Los Héroes del Tiempo (1981) y Tideland (2005); olemos el quijotesco empeño de un artista agarrado a las fórmulas mágicas del espectáculo pretérito…

¿Por qué, entonces, parece un patchwork de highlights gilliamescos sin más coherencia que la que da ser ferozmente autoindulgente? Feliz idea la de compensar la muerte de Heath Ledger con el pretexto del espejo mágico, y es innegable que el barroquismo del concepto se ajusta a la creatividad de Gilliam, pero el resultado se mira demasiado al ombligo.

Una muñeca rusa hace carne picada

2009-10-19T08:51:00.002+02:00

Saludos,
Os mando un artículo que creo que merece estar en vuestro tablón de anuncios 'cultureta'.
El artículo en cuestión consta de 2 partes, en cada una de las cuales un crítico de cine de la página www.soitu.es hace una reseña de la película "La huérfana". La más "espectacular", en mi opinión, es la que realiza el crítico Federico Volpini.

La reseña de Federico Volpini

Esa pulsión que personas adultas y a las que se supone en uso pleno de sus facultades sienten por adoptar debe de tener su origen, ya que no en la imposible transmisión de los genes, en la transmisión de la conducta, que tampoco es ingrediente despreciable cuando se trata de la procreación directa, sobre todo atendiendo al macho de la especie. Casi más importante que el que se parezca a papá lo es que la criatura (el niño) sea como papá y mucho más allá: que sea lo que papá no logró ser, que resarza a papá.
El niño es el Vengador Enmascarado de papá. Y la niña, la de mamá, aunque a menudo con mejor intención: "Hija, que no te vaya a pasar lo que a mí". Con frecuencia, por culpa de papá. Mamá Kate y papá John forman una pareja feliz, compenetrada. Tienen dos retoños, niño y niña, con un ligero impedimento de la niña, guapos, encantadores, que son la delicia de papá y de mamá. Pero mamá, de nuevo embarazada, pierde el bebé junto con la posibilidad de volver a engendrar.
Cupiera pensar que el niño hecho ofrece garantías que el niño por hacer no puede darte. Lo conoces, hablas con él (con ella), los miras a los ojos, calibras su sonrisa. Y te la llevas. En atractivo estuche, un cuchillo con lazos. El 'No los compres: acude a las Sociedades Protectoras', que aquí nos sale rana. Claro que eso pasa también con la progenie propia (en uno y otro caso, reflexión: lo que a la niña, al niño, va a tocarles aguantar y sobre lo que no tendrán control alguno. Los Reyes son los padres). 'La huérfana'. El alcohol y la culpa y una vuelta de tuerca que preserva la inocencia radical de los niños y despoja a la película de parte de su gracia. Hasta ahí, sinceramente, no iba mal. Mención de honor a Isabelle Fuhrman.

Podeis echarle un vistazo a todo el artículo en el siguiente enlace:

http://www.soitu.es/soitu/2009/10/14/cine/1255525058_168677.html

Enviado por: José F.

David Morán, con puntofobia

2009-10-08T16:16:00.003+02:00

Un extracto de la crítica de David Morán del disco de unos tales JJ titulado 'Nº2', publicada en el ABC. Además de gsanzar subgéneros imposibles, añade la tan querida característica cultureta de economizar en el tema de los puntos:

"(...)Ensamblado a partir de ritmos mecánicos humanizados, voces candorosas y excursiones transoceánicas, Nº2 es una delicia de pop amazónico y electrónica tropical; un disco ajeno a la contaminación exterior, que acapara todas las definiciones posibles de belleza para construir en nueve pinceladas y menos de treinta minutos un universo paralelo en el que se citan con sorprendente intimidad un amplísimo ramillete de culturas sonoras. Apuestan los suecos por una cálida sencillez en la que arreglos, voces y ritmos electrónicos se funden en preciosas miniaturas de pop mullido y esponjoso. Desde burbujeantes relecturas de ritmos tropicales a partir de electrónica microscópica (My Love) a tirabuzones de avant-pop, pequeñas inyecciones de house y "singles" como soles (From Africa to Malaga), Nº 2 acaba trazando un nuevo mapa de los sonidos contemporáneos que, sin renunciar al ardor del pop, ansía la perfección a toda costa."

Enviado por: El amazono cultureta

Traduciendo las palabras de Javier Rebollo

2009-09-25T11:41:00.003+02:00

Pasiónporelcine.es publica una entrevista a Javier Rebollo, cuyas declaraciones, muy relacionadas con el último post de Vicisitud y Sordidez, pasamos a traducir para el bien común. Esto serán extractos. Para los más aguerridos, la entrevista completa está aquí. Sé que no se trata de una crítica cultureta, que es la temática del blog, pero creo que merece la pena saltarse la regla.

(...)
- ¿Qué esperabas concretamente a la hora de comenzar a rodar?
- Yo no espero nunca nada de un rodaje. Espero ser feliz. “Un rodaje debe ser la verdadera felicidad”, como decía Claude Chabrol, si no, no tendría sentido hacer películas. Para mí es importante ser feliz mientras trabajo y que esa felicidad esté en el equipo. Si no sería espectador y no cineasta. Se trata de “trabajar con alegría”, como decían en una película que no me gusta, El puente sobre el río Kwai.

Traducido: Me gustan los rodajes y estar contento en ellos se transmite a la película. ¿Os he comentado que sé nombres de cine? A propósito, soy trasgresor porque, aunque no venga a cuento, te digo que no me gusta una de las obras maestras indiscutibles del cine.

(...)
- ¿De dónde proviene el título, tan poético y misterioso a la vez?
- Uno no sabe dónde le esperan las películas. Las películas te aguardan en cualquier parte. Hoy me he cruzado tres veces con un hombre llevando un cuadro que tenía una horrible pintura de pájaros. Ahí se queda en tu cabeza. Como esa imagen, suceden muchas. Hoy estaba en un restaurante pésimo intentando cenar y me he dicho, si en 30 minutos no me ponen la cena, me voy. He estado en silencio esperando y en media hora me he ido. Es otra imagen que se me ha quedado. La imagen germinal, encriptada, que el rodaje debe desencriptar de La mujer sin piano es una mujer que me cruzo una madrugada de un lunes, en la estación sur, que yo vengo de viaje. Ella va por el medio de la calzada, con una maleta y un bolsito ridículo, a las dos de la madrugada, con sus tacones reverberando en la noche, camino de la estación ya cerrada. Esa imagen se me queda grabada. El tiempo pasa sobre ella y se va rellenando con otras imágenes y da lugar a lo que ahora vamos a rodar. (...) Yo parto de imágenes para llegar a la escritura. El guión existe antes en imágenes.

Traducido: Los guiones me la sudan. Te voy a contar un puñado de anécdotas sin ninguna relevancia que ninguna mente cuerda pondría de punto de partida, no ya de una película, sino ni siquiera de un chiste de Arévalo. Pero como soy un agudo observador (con espíritu de entomólogo) del diario quehacer de la sociedad de consumo, yo las haré interesantes.

- ¿Por qué te decidiste por Carmen Machi para el papel protagonista?
- Yo siempre escribo pensando en un cuerpo y en una cara. Esta película está pensada para Carmen Machi desde el comienzo. (...) Ningún actor en España garantiza que la gente vaya a los cines, ni siquiera Bardem, como demuestra El amor en los tiempos del cólera. Ni Carmen Maura ni Victoria Abril, ni Pilar López de Ayala. Nadie. Tampoco Carmen Machi. Por otro lado, yo llevo 10 años sin televisión y no he visto nunca Aída. A Carmen la conozco del teatro y de ser amiga desde hace años. Jamás he visto la serie, y te digo sin soberbia que no tengo el mínimo interés por ello.

Traducido: Te digo, con total soberbia, que no veo la tele, porque yo soy culto y eso es para las masas. De paso, te comento que no tengo ni idea del hecho de que ‘El amor en los tiempos del cólera’ hizo una taquilla considerable en España.

- Suena incluso mejor porque así no tienes una imagen preconcebida de lo que ella hacía allí
- Lo cierto es que yo no pienso jamás en el espectador. Me parece una falta de respeto. Yo creo en la inteligencia del espectador. El director que piensa en el espectador está haciendo de vendedor. Hay dos tipos de directores: Los que piensan que el cine es una sala de butacas por llenar y los que piensan en la película. Yo soy de los que creo que hay que pensar en la película y confiar en la inteligencia del espectador; de que esa película va a encontrar su público. De todos modos, hay que plantearse qué es el público hoy en día, cuando hay tantas dictaduras y censuras en lo que respecta a la exhibición. El concepto de público ha cambiado mucho…

Traducido: Hago lo que me sale concretamente de los huevos y me da absolutamente igual la persona a lo que se lo cuento. Si no les gusta, es que no están a mi excelsa altura intelectual. De hecho, cada vez que cuento un chiste y nadie se ríe, la culpa no es de haberlo contado mal o de no haberlo pulido atendiendo a las reacciones de los oyentes: la realidad es que son gilipollas.

Enviado por: Clayderman y Paco Fox

Diego Salgado perdido y sin mapa de Tokio

2009-09-21T08:47:00.002+02:00

Pero, ¿por qué entender esos ataques como si estuviesen dirigidos a un género, y no a algunas de sus máscaras? Denunciar por ejemplo el monopolio en nuestro ecosistema civil de la sensibilidad o “mirada femenina” auspiciada por el grupúsculo ético y estético que retroalimenta a Isabel Coixet, ¿supone menospreciar a las mujeres en su conjunto? ¿Acaso el melifluo microcosmos representativo que apuntalan Evax, Danone, la DGT, Ikea y el PSOE (por citar cinco marcas corporativas para las que Coixet ha prestado servicios publicitarios) representa unos valores tan irreprochables y universales como para tener derecho a demonizar a quien se rebela contra ellos? ¿No se ha conseguido ejercer una sutil violencia de género en sentido contrario al habitual al coartar, con el respaldo incluso de represalias legales, la disensión contra una manera de pastorear la realidad que se ha arrogado las cualidades de emocional y correcta?

[...]

Plantear el cine, como han hecho los citados, atendiendo a ideas recibidas, de segunda mano, sin un sustrato intelectual propio de valor que adopte el referente cool como problema y no como espejo complaciente, deriva en películas simplemente mudas: desde su título, es imposible saber qué nos quiere decir Mapa de los sonidos de Tokio; en su cartografía vana y turística, lastrada por errores básicos en cuanto a los puntos de vista, la verosimilitud de los personajes y la estructuración de la intriga, no se percibe orientación deconstructiva/reconstructiva ninguna; sólo el eco de direcciones ya transitadas, que se sigue de memoria mientras dura la proyección, y que obliga a desandar el camino en cuanto concluye, visto el callejón sin salida a que nos ha abocado.----------

Diego Salgado en su despliegue cultureta y gafapastistico habitual. No comment.

Leido en Fanzine Digital.

http://www.cine.fanzinedigital.com/5162_1-Mapa_de_los_sonidos_de_Tokio.html

Enviado por: SPD

La máquina de pintar nubes

2009-09-11T12:20:00.000+02:00

Narra el viaje iniciático de un adolescente que descubre la pasión por la pintura en el contexto de una barriada obrera de Bilbao durante los últimos años de la dictadura franquista. En este entorno hostil a la belleza y el arte, conoceremos a un grupo de trabajadores de la fundición que dedica su tiempo libre a pintar. Son aficionados que pintan por puro amor al arte.

Ya sé que esto no es cultureta, pero es muy cursi y la cursilería y el refinamiento exagerado a la hora de escribir están muy cerca.

La navaja en el ojo.

Drag me to hell

2009-08-31T08:50:00.002+02:00

A los microcríticos muchas veces se les ha acusado de pedantes. Muchas veces no. En este caso sin embargo creo que habrá algo más de consenso.

No dejo de sentir cierta abulia al comprobar que se afirma la virtud de una expresión concreta desde el tópico de la ausencia de pretensiones. Si Sam Raimi es el artífice de aquella singular mirada que rejuveneció un subgénero, y si ahora retorna a ello con tal énfasis autoconsciente, ‘Drag me to hell’ exhibe la inocua pretensión de retornar a aquellos contornos mediante la actualización en la temática y la ampliación del desenfreno que inspira cada pieza que la compone. El resultado es desequilibrante, y confieso que me sentí enfermo en algunos momentos de la proyección: un jolgorio arrollador que nos lleva hasta la moraleja final, y escasa habilidad cuando quiere sorprender al espectador. No obstante, la abrupta mirada de Raimi sigue siendo un medio efectivo para un sincero reencuentro con los contornos del fanta-terror, teniendo aquí un ejemplar -esa vieja del demonio- que es firme candidato a formar parte imprescindible de la antología.

A mi, que queréis que os diga, releída 100 veces la primera frase, sigo sin pillarla.

Visto aqui

Fdo: Portrait

G.Sanz y los pajaritos

2009-08-25T14:57:00.002+02:00

Bowerbirds: Upper Air
De regreso al nido, una caravana perdida en la masa forestal de Carolina del Norte, Phil Moore y Beth Tacular pierden la oportunidad de tomar vuelo. Paseando 'Hymns For A Dark Horse' (2008) han visto mundo pero, sin una canción con la plasticidad de 'In Our Talons', su segundo álbum se enrama entra las pastorales americanas de Bon Iver, el emotivismo de Arcade Fire y el manierista buen agüero de Andrew Bird. La naturaleza como metáfora del amor a la espera de un piquito de definición.
G. Sanz.

La estilizada vocación de la posmodernidad

2009-07-30T09:36:00.002+02:00

"Hace mucho ya que las películas dedicadas a evocar la existencia de emblemáticos mavericks como Billy el Niño, Jesse James o John Dillinger han desplazado su centro de gravedad del empeño fundamental de la etapa clásica (narrar o fantasear la historia de su vida), primero hacia la tarea implícita en la autoconsciencia propia de la modernidad (poner en escena la distancia entre la realidad y la leyenda) y después hacia el objetivo inherente a la estilizada vocación de la posmodernidad (la reescritura de las formas de representación que dieron cuerpo al mito)".

Crítica de Carlos F. Heredero en Cahiers du Cinema sobre Enemigos públicos, de Michael Mann. Vista en El guionista hastiado.

Enviado por: Mninha

http://www.librosdebabel.com/

saneustaquio.wordpress.com

Benicàssim con 'b' de 'brit'

2009-07-20T08:42:00.002+02:00

(Y LaVanguardia.es y el ínclito David Moreno repiten: del Sónar a Benicàssim en dos pedantes pasos)

(...) A medida que avanza la noche los sonidos electrónicos se apoderan del festival. Así nos encontramos en el Fib Club con un dúo femenino de Brooklyn que responden al nombre de Telepathe y que practican una suerte de electrónica bailable de tiempo bajo, texturas rugosas y voces fantasmagóricas. El baile corre a cargo del dj Christian Smith, del dj de Four Tet y del detroitiano Kevin Saunderson que resucita su proyecto "Inner City", responsable de éxitos indispensables de la música dance de finales de los ochenta, como "Big Fun" o "Good life".

¿'Una suerte de electrónica bailable de texturas rugosas y voces fantasmagóricas'=Chum-pin-pin-chun + jrrrrg...jrrrrgg + uuuuuooooauuhhh... uuuuoooauuuh? ¿O 'Una suerte de electrónica bailable de texturas rugosas y voces fantasmagóricas'=Musquilla de spectrum + un paquete de scotch brite + mi abuelo con un ataque de asma?¿Detroitiano es lo mismo que michiganés? ¿O tal vez es detroitense? ¿Por qué no detroitgurritano? ¿Y si fuera de Milwaukee? ¿Milwaukeeano o Milguoquiano?
http://www.lavanguardia.es/participacion/noticias/20090717/53747382108/benicassim-con-b-de-brit.html

Enviado por: David Arteaga

G. Sanz guapea al viernes

2009-07-17T11:10:00.002+02:00

CHACHO BRODAS 'Date cuenta' (Del palo/Warner) Valoración: 3.5

Tras la disolución de Sólo Los Solo, Griffi reaparece al frente de su proyecto más hedonista y bailable. Con la vocalista Anqui, el jazzman Nick Codina y el trío Matador Rockers guapeando a Los Impresentables (Tremendo, Aqeel, Quiroga y Mbaka), el mejor productor en la historia del hip hop español monta una sofisticada block-party a base de funk, electro y soul alienígena. Los textos cojean pero él y únicamente él retorcería el Undone de Weezer como preámbulo a la explícita Veneno para puristas. ¡Tiembla, Kanye West! Por Gerardo Sanz

Pero lo más importante es: ¿Es el soul alienígena producto de extraterrestres negros, blancos o verdes?

Eterna melancolía sexual

2009-07-14T11:06:00.000+02:00

Parece mentira que esté hablando de Pagafantas.

Cobeaga no es un director que hace comedias: es alguien con el muy anómalo don de comprender la esencia de un género que destila en formas leves una visión compleja, y dolorosa, del ser humano entendido como ente ridículo y anti-épico.

Si la Claudette Colbert de Medianoche (1939) desembarcaba en la trama a bordo de un vagón nocturno, aquí Sabrina Garciarena surge de un contenedor de basura para convertir la vida de Gorka Otxoa en algo mucho más interesante -y miserable- de lo que parecía augurar su deriva post-adolescente en un Bilbao transformado, gracias a la precisa dirección artística de José Luis Arrizabalaga y Biaffra, en un estado del alma.

[...] pero, al contrario que el director de Lío embarazoso (2007), el donostiarra opta antes por el rigor de lo sustractivo que por la autoindulgencia hipertrófica.

Enviado por Atapow

El cerebro del crítico ha muerto, larga vida al cerebro del crítico

2009-07-13T09:32:00.005+02:00

Algunos extractos de la crítica de 'Paranoid Park' en Blog de Cine. No se trata de la típica colección de palabros que suele ser el pan de cada día de este blog, sino más bien de un conjunto de ideas extremadamente culturetas, conocimientos mal digeridos o, lo que es más divertido, conceptos directamente erróneos:

Les guste a algunos o no, lo cierto es que el cine se desarrolló sobre todo en la etapa muda, y después poco más se ha investigado en cuanto a sus formas y posibilidades. Algunos dicen que la causa principal es la llegada del sonido, o más bien de los diálogos, que hacen más literarias las películas. Pero hay teorías para todos los gustos. Aunque me parece poco discutible que, sobre todo en Estados Unidos, los estudios hicieron propio un esquema que, con ciertas variaciones (algunas de ellas muy interesantes), desarrollaron durante los años 30, 40 y 50, perfeccionándolo y dando forma a lo que se entiende, mal, como clasicismo.
Este clasicismo no es más (ni menos, ciertamente), que una representación deudora de la novela del siglo XIX y del teatro de principios del siglo XX, con presentación, nudo y desenlace, con conflictos y objetivos, con personajes protagonistas y secundarios, y el director como un director de teatro, que se encarga de que todo funcione, pero sin dejar una huella personal en muchas ocasiones, supeditado a las necesidades del estudio y las estrellas. El cine clásico (lo que signifique está equívoca expresión) es un cine, no es el Cine.
Ahora, casi tres décadas después del colapso del sistema de los estudios, muchos claman que nos encontramos con un cine (sobre todo norteamericano) deprimente, repetitivo y sin ideas. Pero a mi juicio creo que muchos espectadores están demasiado condicionados por el pasado del cine norteamericano, que abrió ventanas al futuro sólo en el caso de grandes directores como Howard Hawks, Orson Welles, Alfred Hitchcock o John Ford, pero que, como todo “sistema”, encorsetó la representación audiovisual hasta que la fórmula se agotó en sí misma. Los directores importantes de ahora mismo, los que tienen algo que decir, o bien investigan formas de representación opuestas (aunque conociéndolas profundamente) al cine clásico, o bien se alimentan de otras cinematografías y las implementan a su herencia. Gus Van Sant pertenece al primer grupo.

(...)

Su trayectoria es irregular, extraña y fascinante, y conforme pasan los años y va cerrando su discurso y perfilando más su mirada, más irregular, extraña y fascinante resulta, pero también más importante, pues se erige en crónica (como de una forma muy diferente hace ‘Gran Torino’) de un país en proceso de desintegración moral y social, que se debate entre sus fantasmas como una bestia errabunda, cuyos héroes no son más que reminiscencias de un pasado cada vez más lejano, y cuyo presente es un paisaje fantasmal en el que es casi imposible reconocer a víctima y asesino, al héroe del villano. La vida por fin se abre camino en el cine norteamericano. Lo quieran algunos cinéfilos o no, el pasado (por suerte) nunca vuelve, y los puentes hacia el futuro están ahí.

(...)

Una vez más, acompañamos por un itinerario pesadillesco a uno de los adolescentes hermosos y errabundos de Van Sant. De todos ellos, quizá Alex (interpretado con convincente neutralidad por Gabe Nevins), sea el más hermoso. Por momentos, pareciera que Van Sant le dedique una declaración de amor con la cámara, pues entrega numerosos primeros planos al rostro de este muchacho, tan bello que parece una muchacha, y tan trágico que sus momentos de skater (y los movimientos de otros skater) parecen una canción de dolor por la multiforme y siempre posible crueldad del mundo. Directamente una negación del cine.
Yo personalmente creo que no se le puede pedir más al cine. Y de todas formas el cine me importa poco, me interesa más lo que se puede hacer con sus restos, a dónde se puede llegar con él. El cine ha muerto, larga vida al cine.

Enviado por: Sr. Sotomonte

A G.Sanz y el Avecrem

2009-07-03T11:17:00.001+02:00

The Gossip: Music for Men

Del lodo punk-blues al oropel indie-disco. Del 'háztelo tú mismo' característico de Kill Rock Stars a la producción del vicepresidente de Columbia, Rick Rubin. De catalizador de la urgencia post riot grrrl a comisionado de la banda sonora del Día del Orgullo Gay. Una evolución, la del trío norteamericano, que se torna involución por culpa de un cuarto álbum consagrado al amor carnal pero sorprendentemente falto de chicha. Aunque suene brillante e interpole clásicos de Aretha Franklin, Velvet Underground o Marvin Gaye, ni cuece ni enriquece. Por Gerardo Sanz

Hedonismo y experimentación

2009-06-22T15:24:00.004+02:00

(Nota: LaVanguardia.es ha decidido que, en el Sonar de Barcelona los lectores sean los críticos de los conciertos. Y este sueño del periodismo ciudadano crea monstruos como David Moreno, que firma la crítica. Paso el texto y, en negrita, lo que considero highlights del mismo)

Hedonismo y experimentación
Tercera jornada diurna del festival, con todo el papel vendido de antemano. No era para menos ya que los platos fuertes del día eran los "showcases" de Ed Banger y Raster Norton, dos de las discograficas que mas ríos de tinta han hecho correr en la prensa especializada del pasado año
DAVID MORENO SANCHO Barcelona, lector cronista 21/06/2009 Actualizada a las 13:22h El lector opina

Aperitivos. Llegar al CCCB a la hora de la siesta y comprobar que la maquinaria del festival ya funciona a pleno rendimiento invita al recogimiento y a la adaptación paulatina a la vorágine de la jornada. Nada mejor para ello que introducirse en la selección de propuestas del espacio Sonarmática, dedicado este año a la artesanía musical del tercer milenio que se desarrolla en pequeños crepúsculos de la ciudad condal. Sin duda, una buena oportunidad para “testear” in-situ tecnología como el Reactable, surgido del laboratorio de la Universitat Pompeu Fabra, popularizado por artistas como Björk y que ahora ya tiene continuidad en el sector privado. Con los sentidos, ahora ya si, bien despiertos nos dirigimos al SonarHall para comprobar si Ebony Bones supera la reválida del pasado Primavera Sound. Ataviada con sus ya famosos trajes estrambóticos, y acompañada por una orquesta no menos pintoresca, la propuesta de la inglesa iba perdiendo fuelle canción a canción, una vez superada la sorpresa de su puesta en escena. Se demuestra una vez mas que, aunque el packaging sea atractivo, si detrás no hay un producto sólido que defender raramente se llega a buen puerto. O como diría la Mala Rodríguez: “mucho lirili y poco lerele”.
El gazpacho de Ed Banger. Ed Banger, sello francés que cotiza al alza en popularidad gracias al éxito del dúo Justice (cabezas de cartel de la pasada edición) y la sombra alargada del legado de Daft Punk, nos tenia preparado un carrusel de actuaciones bajo el nombre de “Gazpashow!”. La cosa iba de mostrar las nuevas perlas de la cantera. Y si el gazpacho se compone de tomate, pimientos, cebolla y aceite, la receta del sello galo era a base de house hipervitaminado, hip-hop comercial y electro-techno de trazo grueso. Hay que estar atentos al trio de raperos parisinos DSL, apuntan maneras. Luego Outlines pusieron el patio del ‘village’ de patas arriba con una sesión que tocó varios palos pero todos con el mismo fin: hace bailar hasta el apuntador (que, si de existir, seguro que iría con gafas de sol retro, gorra de béisbol, colores flúor y bigote perfilado).

Raster Norton: experimentación teutónica. Y si la propuesta del Sonar Village era festiva, soleada y hedonista, la antítesis de la misma (y sin embargo mas interesante si cabe) se gestaba en las “catacumbas” del CCCB, que registraron un previsible “aforo completo” durante casi toda la tarde. El sello alemán Raster Norton presentaba su equipo titular con una táctica arriesgada pero infalible, basada en una particular experimentación minimalista del techno de corte científico. El dúo SND destiló desde sus portátiles microestructuras marciales que iban “in crescendo” para terminar en magmas de sonido. Tomó el relevo Byetone, que comenzó con su exitoso “Plastic Star”. Los bombos neuronales del tema en cuestión, y el contador incremental de “beats” que se mostraba en las pantallas, subieron la presión atmosférica de la sala hasta limites infrahumanos, para deleite y disfrute del público, claro. Y luego Alva Noto (el dueño del sello en cuestión) siguió con su propuesta techno mas cercana al arte contemporaneo que a la pista de baile.

Café, copa y puro. Intentar abarcar todos los escenarios es como “zapear” con la Tdt: dificilíssimo. Así, y porque la omnipresencia no esta hecha para los mortales, nos perdemos actuaciones que de bueno seguro fueron interesantes, como la de los catalanes Pau Riba y Guillamino. Pero ya no hay tiempo para más, y mientras en el escenario SonarDôme el dj surafricano Culoe de Song ponia el broche de oro al Sónar mas africano de la história a base de elegante house-tribal, Busy P (el capo de Ed Banger) se entregaba al hedonismo mas “fiestero” en un SonarVillage abarrotado y listo para la traca final nocturna.

Y si todo el artículo le ha sonado a chino no se preocupe: compre su entrada para el año que viene y disfrute de este post-moderno jardin del Edén de nímfas europeas e hilo musical sofisticado. Vale la pena.

http://www.lavanguardia.es/el-lector-opina/noticias/20090621/53728104521/hedonismo-y-experimentacion.html

Enviado por: Javier Dale

G.Sanz hace cruzada contra el almidón de los guisantes

2009-06-19T11:41:00.003+02:00

The Black Eyed Peas
(The E.N.D. - Energy Never Dies)

(...) su quinto álbum al frente del cuarteto californiano materializa una deriva dance-pop tan previsible como dolorosa. Almidón electro, aromas jamaicanos y toneladas de Auto-Tune para un chicle post-disco envuelto en un título revelador: su energía (...) se transforma. A peor.

G.Sanz vuelve a conseguir describir un disco y que no me entere de nada. Pero, sin embargo, que se forme en mi cerebro una imagen aterradora. Concretamente la de una patata con chicle pegado por todas partes, echando rayos mientras baila reggae cantando como Cher. El horror.

Multimedia somos todos (léanselo entero si pueden)

2009-06-15T17:01:00.005+02:00

Navegando por la red me tope con este profesor jovenzuelo, que escribe cosas infumables. Adjunto el articulo tal cual y el link al sitio, http://mosaic.uoc.edu/articulos/labad0207.html

Multimedia somos todos

20.01.07

Luis Ángel Abad

La disposición de lo musical como una suerte de enclave autónomo ejemplar constituye uno de los supuestos más profundamente arraigados de nuestra cultura. Al menos desde la filosofía pitagórica, lo musical no sólo remite a un ámbito de relaciones ideales, sino que lo hace además desde una pulsión recibida con el poder de la experiencia de un mito que se narra con voluntad cosmogónica. Nos resulta fácil entender -tender a- la naturaleza autónoma de lo musical. La noción de armonía que se administra en esta condición autónoma implica en última instancia la pertinencia del propio sentido de justicia. Y del ethos al pathos, semejante condición forma parte de los requerimientos más característicos de un discurso romántico exacerbado, hasta convertirla en elemento de redención excepcional frente a la condición trágica de la existencia. Estoy pensando en Schopenhauer o Nietzsche, por poner un ejemplo característico. En definitiva, esta típica condición de lo musical implica un complejo trasfondo ideológico que recorre el sentido de las razones y los actos, las ideas y los sentimientos, y señala ejemplarmente los límites del papel transformador del arte.

Por el contrario, en general podemos decir que las condiciones de posibilidad dispuestas por los medios de producción característicos de la Modernidad tienden a disolver, en todos los sentidos, el carácter autónomo de los medios artísticos. De esta manera, la superación de la autonomía del arte no resulta tanto una posibilidad más o menos deseable en términos ideológicos, sino una consecuencia previsible en términos materiales. Frente a una tarea transformadora de la vanguardia más testimonial, voluntarista y anunciatoria que materialmente efectiva, la mezcla y disolución de categorías y medios artísticos tradicionales viene a darse por las propias condiciones de posibilidad de los medios de producción modernos. Lo multimediático sería un resultado de esta mezcla, que termina surgiendo como efecto (o diríase apocalípticamente, urgiendo por defecto) del pletórico rastreo del desarrollo tecnológico y su incorporación minuciosa a los estilos de vida cotidiana.

Ruido, ruido, ruido

Lo multimediático se impone en este sentido como una condición aparentemente necesaria del sistema de producción. Quizás la introducción futurista del ruido supone una transgresión voluntarista de un ámbito autónomo de la creatividad basado en el desarrollo ideal de relaciones conformadas en torno a la noción de armonía. Puede suponerse al intonarumori como una abrupta irrupción de lo multimediático, en tanto resumen sonoro del conjunto de experiencias dispuestas por el escenario cotidiano de la modernidad. Pero más allá de los esfuerzos de la vanguardia por abrir brecha en este sentido, los efectos de este escenario se aplican ad hoc en fenómenos que pertenecen al propio campo productivo de la cultura de masas. Pienso en la práctica desacomplejada y espontánea de incorporar a una guitarra tradicional unas bobinas para amplificar el sonido, a costa de asumir elementos espurios frente a la fijación coherente del timbre tradicional. Y más, el posterior desarrollo de un lenguaje específico basado en poéticas del feedback y el overdrive. La valoración de lo saturado como principio de una dinámica que presiona materialmente sobre cualquier intento de clausurar cierres de tipo ideal. Y todo el sentido del fenómeno administrado mediante la negociación tácita de una lógica popular que tiende a valorar sustancialmente lo que, desde una perspectiva idealizada, se percibe no sólo como circunstancia anecdótica, sino como incomodidad inconveniente de lo que se tiene por espurio.

"Cuando el 1 de Agosto de 1981 la cadena MTV comienza su emisión con "Video Killed the Radio Star", se conviene históricamente que nos encontramos ante un mero cambio de paradigma propagandístico".

Pero las categorías que constituyen el juicio estético tradicional están fuertemente arraigadas. De manera que el poder de integración dispuesto por las condiciones de posibilidad de los medios de producción actuales -su potencial transformador como mecanismo multimediático-, tiende a quedar reconducido ideológicamente hacia los canales de producción y consumo ya establecidos, incluso cuando se dan circunstancias para generar cambios paradigmáticos. Cuando el 1 de Agosto de 1981 la cadena Mtv comienza su emisión con "Video Killed the Radio Star", se conviene históricamente que nos encontramos ante un mero cambio de paradigma propagandístico. Sin embargo, lo que se propugna es un cambio cultural que podría resumirse en la constitución de un gusto específico a resultas de una valoración en bloque de lo audiovisual. Es decir, ante este ejemplo lo visual no compone un fenómeno diferenciado y de segundo orden que viene a apoyar a lo musical. Ambos medios componen un bloque íntegro de experiencia. Lo multimediático es una realidad cultural efectiva en esta circunstancia cotidiana. Y sin embargo, este despliegue termina inexorablemente reconducido hacia una reinversión del carisma personal, hacia una solución de carácter individualista, hacia una amortización resuelta mediante el valor lujoso de la estrella pop.

A pesar de esto, estamos ante una incesante integración general de medios en un bloque de experiencia compartida colectivamente. Y la música se sitúa cada vez más como excrecencia. Ya no se trata de que tenga que compartir valoración equitativa con lo visual en un nuevo medio que la engloba y la excede. Un anuncio actual demovistar nos anima a contemplarla sólo como motivo de recuerdo de una persona a quien llamar. La música no invita aquí a convertirse en protagonista de nuestra reflexión concentrada, sino a proponerse como invitación de participación colectiva. Se trata de un síntoma, todo lo restringido que se quiera, de que la música se convierte en nexo, en medio político y no en fin artístico. Esto que sucede ahora, supone un planteamiento radicalmente alejado de la disposición tradicional del sujeto frente al fenómeno artístico, de las pautas de recreación personal establecidas en el diálogo entre sujeto y objeto mediado por un principio de autonomía. Puede que eso encierre algún tipo de pérdida preocupante, o puede que disponga un fenómeno en la estela de aquel anuncio benjaminiano que hablaba de un cambio de paradigma basado en la sustitución deconcentración por dispersión de la experiencia. Y hay que recordar que eran reflexiones proyectadas al encuentro directo con el potencial transformador del arte, hacia lo revolucionario y frente a una dinámica social de organización fascista. Formalmente, parecería que la singularidad del fascismo reside en promover un culto fascinado por la personalidad del líder. Pero observando fenómenos característicos en la historia reciente de nuestra industria cultural, encontramos que se mantienen criterios de evaluación tradicionales mediante la ejecución apoteósica de la noción de identidad en torno a la figura de la estrella. Se trata de una concordancia demasiado sospechosa.

"Youtube escenifica una asimilación masiva de la desviación de uso como norma"

Dos décadas después de la oportunidad perdida para evaluar radicalmente el poder transformador de lo multimediático ante el escenario dispuesto por la generación MTV, Youtube escenifica un nuevo cambio de paradigma generacional marcado por el derrumbe de las viejas estructuras productivas de la industria cultural. En Youtube se disuelve un uso totémico de la televisión marcado por la emisión inequívoca de realidad, y por la ordenación lineal de un sentido espacio-temporal. Pero además, dispone un modo de uso que definitivamente confunde tanto papeles adjudicados tradicionalmente como criterios de valoración. Y es en el modo de uso donde la pedagogía política potencial de cada medio se impone por propio calado cotidiano. La horizontalización de la producción dispuesta por Youtube supone una confusión entre emisor y receptor, una difuminación del enclave tópico y una apertura al principio de simultaneidad, una disolución del sentido de género en lo genérico, una aparición estallada de lo anecdótico frente a la necesidad de hilar un gran relato, y una rebaja de definición a pesar de que las multinacionales hayan entendido que el futuro de la televisión es en HD. Por las propias condiciones de posibilidad de los medios de producción actuales, Youtube escenifica una asimilación masiva de la desviación de uso como norma. El sueño estético de la vanguardia y el reclamo ético de los estudios culturales está ahora en manos de una nueva generación ausente del protagonismo totémico de la televisión. Cuando el carácter incisivo de una racionalidad instrumental ha generado una cultura de explotación que nos tiene al filo del desastre ecológico, la baja definición, el modo rizomático de relación, la rebaja del sentido de lo narrado hasta niveles ínfimos o la facilidad de mutación, mecanismos todos de dispersión benjaminiana, bien podrían ser principios de creación correctora, ligados a una cultura nueva de crecimiento sostenible. Y ante las características del nuevo medio, esta vez parece que existe una dificultad consustancial para que todo quede reconducido por la vía de un fetichismo alimentado por el prestigio carismático de la singularidad identitaria. Quizás ahora más que nunca, contra el sobrecalentamiento de la pulsión continuada de la vieja estrella metafísica: multimedia somos todos.

Enviado por: DADO

Tú nunca estuviste aquí (en la crítica)

2009-06-12T10:22:00.000+02:00

El artista y la conciencia del entorno

Siguiendo al pie de la letra aquella máxima que reza que el simbolismo es la verdadera sustancia delarte

(Máxima al canto, empieza la vomitona. ¿"Delarte" es alguna marca de queso?

, el controvertido Todd Haynes nos ofrece en su nuevo filme un retrato metafórico de tintes biográficos, flirteando sin rubor alguno con los meandros de la memoria, en una sinuosa narración multigenérica que salta del retrato costumbrista al mockumentary con una fuerza inusitada teniendo en cuenta lo enrevesado de su argumento

Perdón, me quedé meando en los meandros. Los multigenéricos e inusitadamente enrevesados. Por flirtear vamos.

. Haynes tergiversa a conciencia la realidad histórica con el objetivo de hallar durante su recorrido narrativo de existencialismo homérico la verdadera lucidez del artista moderno,

La verdadera lucidez... ¿que debe ser la tuya, no? Porque se te nota muy clarito.

recurriendo para ello a un puzzle de emociones encontradas mediante la inclusión de un mosaico de personalidades asignadas a cada periodo creativo del mítico Bob Dylan.

¡Coño, el Dylan! ¿qué hace aquí entre tanta confusión? ¿ha vuelto a las drogas?

Se establece con ello un particular juego narrativo, que alterna los tiempos pretéritos y venideros, con el objetivo primordial de trascender la narración convencional y, por ende, deconstruir el relato a nivel formal con el objetivo de primar el fondo sobre lo evidente del retrato biográfico convencional.

Vamos, lo normal en estos casos. Trascender p'alante y p'atrás.

La búsqueda de la esencia como objetivo único e indisoluble de todo el filme, enriquecido gracias al extraordinario enfrentamiento que se establece a nivel subyacente entre la evolución artística de Dylan y su involución personal con respecto a la relación que mantiene con el mundo que le rodea, el cual repudia y ama a partes iguales, como todo buen artista atormentado por los convulsos cambios sociales de la época que le vio crecer como autor.
Cada uno de los estados evolutivos del personaje ( de cualquiera de ellos teniendo en cuenta la espléndida labor de todo el reparto ) discurre paralelo durante la narración con respecto a las tormentosas épocas acontecidas en el territorio estadounidense en el periodo de apogeo del Dylan artista, exponiendo un afortunado paralelismo con respecto a la evolución de un país partiendo de sus raíces populares y como su desafortunada supremacía política condicionó dichos cambios.
No contento con incidir en este hecho, Haynes recurre a diversas texturas narrativas, jugando con los estados de ánimo de cada uno de los alter ego de Dylan como quién prima la confusión emocional y lo atormentado de la mente por encima de cualquier deuda narrativa con el espectador.

Aham... deudas con el espectador. ¿Y tú con el lector tío? ¿puedes pagarlas sin hipotecas "suhpraim" de esas?

Y sigue y sigue... ¡y en todas sus críticas!

http://reductocinefilo.blogspot.com/2009/03/critica-im-not-there.html

Enviado por: Miguel --

Ramón Freixas, ¿el G.Sanz del cine?

2009-05-31T14:59:00.004+02:00

Efectivamente: otorgar a alguien el título de 'G.Sanz del cine' puede parecer exagerado. Pero creo que está justificado. Ramón Freixas es un crítico de larga trayectoria. Sin embargo, nunca me había llamado la atención hasta que me regalaron el número 7 de la revista Quatermass sobre cine italiano de género (bastante curioso y en el que, además, escribe el antiguo colaborador de Vicisitud y Sordidez David G. Panadero). Tenía una vaga idea de que ente señó era carne de Cultureta Watch, y con una lectura rápida de la revista lo he confirmado.

Empezamos con una frase que pillo ya a más de la mitad, porque lógicamente lo de los puntos y seguidos no es algo a lo que le tenga cariño el amigo Ramón:

- "(...) una de las cimas de la corriente fílmica fraguada en la exultante declinación del horror infectado de poesía mortuoria, de fascinación por el mal y sus matizadas morfologías, de subyugación por la muerte - podredumbre de la carne y putrefacción moral-, suministradora de suculentos cócteles de inflamado erotismo, pregnante muerte e incitante sadismo, donde subyacen la demencia y lo hórrido".

Claro que, quitando morfologías, declinaciones y palabros no-RAE como 'pregnante' (gran ejemplo de lo que mi madre llamaba 'eso lo ha aprendido en jueves'), esto más o menos se entiende. Vamos a otra:

- "Y la fascinación por el mal, motivo fractal de su démarche, que acaba convirtiendo el film en una reflexión acerca de las raíces del miedo y sobre el dispositivo del terror".

Aqui tenemos ya una maravillosa muestra de la conocida como 'técnica gabacha'. A saber, soltemos palabras en francés, que es el idioma culto. Pero voy a asegurarme de que nadie entiende nada poniendo delante la palabra 'fractal'. Vvvvvino.

- "De hecho, no pasará a los anales (con hache y sin ella) por su dominio de la cámara".

Me explique el chiste, por favor.

- "Una historia /historieta cosida con premura a partir de un tebeo (bande dessinée sería lo propio, pero también un inmerecido piropo) encarnado por una Jane Fonda que, ella sí, se pasa el metraje a la busca de la plume dans le jardin de su tante".

¡Zé franzé!¡Zé franzé!¡Zoy curto!¡Dame más vvvvino!

-"La obra satisface una resonancia (poco magnética) por mor de pintar un ambiente malsano, una vicenda morbosa, amén de dotarse de cierta audacia visual y temática (un agitado, perdón, revuelto, cóctel de sexo convolgente, adolescencia aputanada y fanatismo religioso)."

¡Y también zé italiano!

- "Así, a causa de sus renuentes, dimisionarios postulados, la pieza finaliza siendo especialmente indidaca, por su loor y apología de lo lolitesco, para vergonantes menoreros".

¡Antología del palabro!

-"Acabemos empero este exergo indicando que Andrea Bianchi carece de vínculo carnal con Mario Bianchi, un trampantoso asaz reiterado, siendo hijo de su padre, a la sazón, el destajista Roberto Bianchi Montero. Si nos ponemos serios, o severos, poca opinión (favorable; también desfavorable) renueva Posesión de una adolescente, cuyo autor en pantanosos predios similares ofrendó dos cult movies tan feraces como montaraces, o sea, bodrios full time (...)."

¿Serios o severos? ¿Favorable o desfavorable? ¡Aclárese, por san feck!

- "Olvidemos las (presuntas) pullas a la aristocracia ociosa y lasciva, las collejas (poco blasfematorias) al catolicismo o la (morigerada) crítica a la represión sexual espolvoreadas a rebufo de la (guarrilla) mutación de la juncal protagonista".

Y hoy es el día del... ¡Festival de los Paréntesis!

Aquí dejo este recopilatorio de algunos de los mejores momentos de sus textos para la revista antes mencionada. Pero son muchos los años de carrera de ente señó a disposición de la Guardia Cultureta. Auguro nuevas entradas en el futuro.

Enviado por: Paco Fox

No es crítica, es poesía...

2009-05-27T19:35:00.002+02:00

Ya en Juno, paradigma de la nueva comedia romántica teen, la chisposa y contagiosa inanidad de una sintonía publicitaria escondía una vida conyugal emponzoñada por el tedio y las renuncias. Los jingles que Harvey (convincente y convenientemente antipático Dustin Hoffman) compone para malvivir no dejan de ser la caja de resonancia de una vida vacía y un corazón de saldo. Músicas para instrumentos dañados que, como esa melodía nupcial que el film utiliza de excusa para enfrentar familias y cuestionar (un poquito) el amor, van a terminar componiendo e interpretando un dueto. El que forman Hoffman y Emma Thompson (inglesa de mediana edad atada a madre posesiva) en esta particularísima relectura, a mayor gloria del patetismo y las grises personas normales atrapadas en la nueva soledad, de Breve encuentro (más de su remake de los 70 que del original de David Lean).

Historia de amor a contracorriente y a base de resquemores, malos modos y bastante de masoquismo (a ratos no sabemos si se cortejan o se hacen daño), Nunca es tarde para enamorarse desmonta tópicos del subgénero bodas y prejuicios, y plasma lo que saldría de una cita seudootoñal entre la ironía británica Ealing y el melancólico mal café (optimista) de ese olvidado clásico USA de Martin Ritt llamado Risas y lágrimas (1972).

Resalto lo que es pedante por cómo está redactado, pero la sarta de referencias que ocupa más que el análisis en sí de la película también cuenta.

Michael Snow y las películas estructurales monomórficas

2009-05-25T09:49:00.003+02:00

La llamada “Ciudadano Kane del cine experimental”, Wavelenght (Longitud de onda, 1967) nos transporta, en una sola locación, a otra percepción del tiempo, dentro del “mismo” espacio. Trip perceptual, que puede hacernos ver “extraño” de ahora en adelante, el espacio más cargado de indiferente cotidianidad. No nos parece de más recordar al respecto, el clásico estudio de Paul Schrader (“El estilo Trascendental en el Cine: Ozu, Bresson, Dreyer”):
“En Film Culture se ha desarrollado un debate sobre el grupo de películas que debe ser llamado sobreescaso. P. Adams Sitney lo definió en un principio como la “película estructural” y George Maciunas más tarde lo hizo con el término de “película estructural monomórfica”, la película que, “teniendo una forma única y sencilla, exhibe sólo y de forma esencial un modelo estructural.” Dentro de esta categoría general de las películas monomórficas existe una subcategoría que nosotros denominamos los films de la estasis. Éstos, en términos del estilo trascendental, son simplemente estasis prolongadas; examinan una visión de la vida estática y quiescente durante un determinado tiempo.
El más famoso de estos films de la estasis es la extraordinaria Wavelenght, de Michael Snow, una película que consta de un zoom ininterrumpido de cuarenta y cinco minutos a través de un apartamento, y cuyo único fin es el de introducirse en una fotografía del mar que está prendida con alfileres en la pared más lejana de dicho apartamento.”
Por su parte, Snow nos habló de la diferencia entre la representación y lo que se representa (“toda representación es un tipo de abstracción”), en el sentido de que lo que estamos viendo no es un cuarto, sino que es una superficie, una pantalla, una imagen. Él veía en Wavelenght, más que una interrogación sobre el espacio (la identidad y multiplicidad de un mismo espacio, por ejemplo), una interrogación sobre la naturaleza de la representación propiamente dicha.(la entrada completa aquí)

Por: Víctor Alonso

Doce frases que deberían desaparecer de las críticas de cine

2009-05-20T11:18:00.002+02:00

Como vemos que les cuesta animarse a participar en este blog, hemos creado una lista de doce frases que sabemos que deberían desaparecer de las críticas de cine. Léanla aquí, les servirá de ayuda para estar atentos y enviarnos todas las críticas en las que aparezcan. Si lo desean, añadan también aquellas frases que crean que deberían morir y que no hayamos mencionado.

G.Sanz y la ¡¡¡ÉPICA!!!

2009-05-08T10:55:00.003+02:00

"Libido y mística, autodestrucción y espiritualidad, yin y yang se enfrentan en once canciones que, producidas junto a David Kosten (Faultline), sintetizan una feminidad ampulosamente épica". (G.Sanz)

Me encantaría saber cómo es una feminidad ampulosamente épica. ¿Una princesa guerrera gritando ¡SOY UNA TÍAAAAAA! con una espada hecha de perlas mallorquinas y vestida de diosa del caranaval canario? ¿Un potorro gigantesco montado a caballo en el Abismo de Helm? ¿Una feminista hablando de la castración en verso sólo con palabras de más de cuatro sílabas montada en un dragón? Espero que no.

Star Trek

2009-05-07T12:13:00.004+02:00

Quería extractar párrafos o frases, pero es que es mejor leerla entera. Y, sobre todo, si habéis visto la película, alucinaréis más aún por las cosas que dice sobre una película que... bueno, quien la haya visto ya lo sabrá:

"Hay un método para medir lo que ha hecho J.J. Abrams con Star Trek –que no es tanto una franquicia como un fenómeno cultural de larguísimo alcance (y un capítulo esencial en la historia de la SF televisiva)–: basta colocar su película al lado del episodio "Equilibrio de terror" (primera temporada), que podría ser tanto su modelo de referencia como el elemento más problemático a la hora de integrar esta refundación del mito en el canon establecido por Gene Roddenberry. Si, contemplado desde las afueras de la ortodoxia trekkie, "Equilibrio de terror" reunía los aspectos más disuasorios de la saga para el ojo profano –su tendencia a lo discursivo y a la circunspección, su lenguaje visual posibilista–, la película de Abrams magnifica, amplía y acelera todos aquellos elementos capaces de redefinir Star Trek como objeto de seducción para no iniciados. El resultado es deslumbrante y este crítico lamenta especialmente no poder desvelar aquí –para respetar el factor sorpresa– la magnífica argucia conceptual que ha permitido a Abrams y sus guionistas ser tremendamente libres con lo que han heredado de Roddenberry y, a la vez, escrupulosamente respetuosos con ese discurso canónico que, cabe suponer, los fans protegen con rigor talibán.

Placer espacial

Conviene decir, no obstante, que el método apuntado para celebrar esta reconversión marca Abrams no deja de ser bastante injusto con ese Star Trek fundacional que las inercias del pensamiento colectivo han querido convertir en paradigma de la ficción para (con perdón) freakies: este Star Trek posible que Abrams ha hecho apabullante realidad ya estaba contenido en la serie de 1966, que, junto a su visión utópica de un futuro deseable y a su celebración de las esencias de la aventura, fue pionera en el manejo de radicales conceptos de la SF literaria. Auténtico hijo de su tiempo –la era en que la ficción audiovisual muta bajo el influjo tóxico del fuego cruzado intermediático–, Abrams no es tanto un director de películas como de superepisodios: si su M:i:III fue como una entrega de Alias hiperbolizada, esta película es, a un tiempo, Star Trek, Alias y Perdidos fundiendo guiños y alicientes en el borde de un agujero negro que coloca el reloj de la Federación en un punto cero abierto a toda posibilidad evolutiva. Es la mejor space opera en muchos años y una generosa ración de placer cósmico que ha sabido no ser esclava de su modelo, mientras luce una comprensión absoluta de lo que ha sido, es y (se supone) será Star Trek".

Por Jordi Costa.

Enviado a Cultureta Watch. Envía el tuyo.

G.Sanz strikes back again! (crítica no apta para pusilánimes...)

2009-05-04T15:52:00.001+02:00

El título del disco ya es mortal por si mismo, pero lo pienso usar como alarido de referencia para cuando esté cebollino perdido algún finde en los bares.
Bueno, al lio. G.Sanz nos sigue deleitando con grupos que él (y sólo él) conoce, referencias imposibles y asociaciones de ideas que ni el Yoyas puesto de coca...

(creo que me ha picado la curiosidad la crítica, me voy a escuchar algo en el inten-neee de estos muchachos)

ZA 'Macumba o muerte' (Acuarela) Valoración: 4
Titular de la Orquesta del Caballo Ganador y máximo responsable de sus concertantes de improvisación conducida, el trío barcelonés demuestra que el rock después (y más allá) del rock todavía es posible. Masterizado por Bob Weston (Shellac), su segundo álbum suena a Lonely Planet de un mundo que, definitivamente, no cabe en este reino. Kalimbas, gritos y drones, escalas de Congo, la República de Tuvá y la antigua Babilonia, The Ex, Fela Kuti y The Flying Luttenbachers en una experiencia instrumental no apta para pusilánimes. Por Gerardo Sanz
Saludos culturetas!

POR: Carlos Moya

Además de cultureta, misógino, ¿quién da más?

2009-05-02T20:25:00.000+02:00

[...]para alivio de cuantos compartan esta alergia hacia dicha parcela genérica, un visionado en la desembocadura de lo grato, merced, eso sí, a su ocasional proximidad con regiones cinematográficas menos indigestas que la ginecomedia [...]

[...]está diseñada con destreza de trilero emocional por el ladino Schweiger con vistas a desintegrar taquillas apelando a la siempre fiable cuña femenina. [...]

[...]Julia Ormond reloaded[...]

Jibarización teenager

2009-04-30T20:25:00.006+02:00

Jibarización teenager y orgullosamente idiota de una obra que era pura
flexibilidad entre lo cómico y lo épico, 'Dragonball Evolution' no es una
afrenta premeditada, sino, tan sólo, una lectura muy poco imaginativa de una
obra que (...) supuso para muchos todo un discurso de iniciación a la
imaginación libérrima, sexualizada e hiperbólica de una cultura popular nipona
que se apropiaba del imaginario chino para mutarlo.

Jordi Costa vuelve a regalarnos sinónimos que no vienen a cuento pero no logra superar el delirante arranque digno de G. Sanz. ¿Jibarización? ¿Porque los muñecos de Toriyama eran cabezones? ¿Por tener menos cabeza los autores? Y teenager ¿Porque Dragonball no era teenager?

Digámoslo claro: a estas alturas del partido, sólo G. Sanz sabe jugar a ser G. Sanz: su histerismo lo blinda contra análisis. Al resto, no.

Tranches de vie

2009-04-07T10:17:00.003+02:00

Tranches de vie dramáticamente plausibles y rabiosamente urbanícolas, las que cuenta abarcan a todo el espectro social del Santiago de Chile de hoy mismo (pero podría ser cualquier otra urbe entre el primer y el tercer mundo), hasta terminar recordando con honestidad y casi con pudor, no como Alejandro González Iñárritu y su abominable y tramposa Babel, que todos padecemos, sí, pero como siempre, algunos, los pobres, mucho más que el resto.

Mirito Torreiro nos aclara que sabe francés, tira de la RAE con un sinónimo que nadie dice y se embarulla con un exceso de comas en esta gran loa al párrafo sin puntos.

Con todo, sí, Babel, ante todo, nos parece, a muchos, sin duda, un truño.

Un G.Sanz para toda la familia

2009-04-03T11:37:00.002+02:00

"Rock abrasivo, blues lo-fi y una majestad interpretativa que se divierte postulándose hija de Patti Smith, sobrina de Diamanda Galás, hermana de Berth Gibbons y esposa de Capitain Beefhart" (G.Sanz)

Por no hablar de prima segunda del Capitán Planeta, tía bisabuela de El Fary y ex cuñada ahora casada con un primo tercero de Chiquito de la Calzada.

Monstruos contra alienígenas

2009-04-01T11:47:00.002+02:00

Parece que este crítico se ha dejado contagiar por el culturetismo de sus compañeros de revista. Cito sólo algunas frases:

[...]lobo solitario de lucidez ajena a lo gregario,[...]

[...]La película es el envés positivo de la fábula anarconihilista [...]

Enviado por Lanavajaenelojo.

Un G.Sanz especialmente acojonante

2009-03-27T12:31:00.003+01:00

"(...), el multiinstrumentista (sic) de Chicago se inscribe definitivamente en la liga de los cantautores prodigiosos. Anidado en el folk pastoral, su nuevo álbum picotea en Ry Cooder, Paul Simon y Thom Yorke y regurgita arcanas referencias filosóficas, históricas y hasta microbiológicas. Un reclamo impresionista e impresionante que incorpora un segundo CD de canciones instrumentales". Por G. Sanz

G. Sanz crea "La Liga de los Cantautores Prodigiosos", se va al campo y habla de microbios en una crítica acojonante basada probablemente en un concienzudo studio de la portada del CD.

Gran Porcino

2009-03-17T10:03:00.002+01:00

Un fragmento de la crítica de Jordi Costa sobre 'Gran Torino':

Cuento moral (que no moralista) sobre la redención, el sacrificio y la posibilidad de construirse un memorable mutis por el foro tras una vida en el claroscuro, Gran Torino combina la hondura y subrayados fastidiosos, discutibles opciones de estilo y poderosos momentos en los que se revela el alma rota del arquetipo.

CríPtico de cine

2009-03-10T21:26:00.006+01:00

Atención a la crítica meapilas de Fausto Fernández para "Fotogramas" sobre Lejos de la tierra quemada:

Tan lejos y tan cerca de su antaño colaborador Alejandro González Iñárritu,
Guillermo Arriaga debuta en la dirección con un alambicado auto sacramental sito en esa tierra de nadie (o de todos, de todas nuestras culpas) fronteriza que
ocupa su imaginario. Imaginario de profundas reminiscencias religiosas, de
personajes que se mueven, entre tiempos y momentos intercambiables, arrastrados
por remordimientos y redenciones. Pecadores, amantes adúlteros, amores
escondidos y más coyotes que perros...

Un universo de azares milimétricamente desordenados que va más allá de lo social-metafísico habitual en los films de Iñárritu (21 gramos, Babel). Arriaga
no extiende su carnaval de cotidianas miserias hacia una cosmogonía del
sufrimiento: sus historias encadenadas son un viaje introspectivo,
martirológico, al interior de una herida, hacia un alma tan física y somática
como las cicatrices, las enfermedades que lucen sus desnudas actrices. Algo así
como el David Cronenberg de la descomposición familiar, sentimental y emocional,
el realizador sabe plasmar en imágenes (esos primeros planos, esa presencia del
fuego) su obsesivo pesimismo (muy para todos los públicos: ese sería un pequeño
reparo) en una opera prima tan bella como la ceniza de sus ardientes ángeles caídos.

Citas que van desde Wim Wenders ("Tan lejos y tan cerca") hasta Chiquito de la Calzada ("Pecadores"), constantes referencias religiosas... esta crítica lo tiene todo. Todo menos la posibilidad de sacar una conclusión sobre cómo puede ser la película, claro. Porque a algunos "críticos" de cine deberíamos llamarlos "crípticos" de cine. ¿Con lo de "auto sacramental" querrá decir que ya se sabe cómo va a acabar? A quien le divierta jugar a las adivinanzas, que siga dando interpretaciones.

Xkcd y la Simple English Wikipedia

2009-02-25T08:45:00.002+01:00

Por si alguno no lo conoce, Xkcd es el mejor viñetista del mundo geek que jamás haya existido. Alterna temas ultrafrikis con relaciones de pareja y vida cotidiana. Su última tira viene muy al caso de este blog, en el que nos cachondeamos, no de la complejidad de ciertos textos, sino de la complejidad afectada para causar asombro a lo bobo.

Si en la página original pasan el ratón sobre la imágen podrán leer lo siguiente:

Actually, I think if all higher math professors haad to write for the Simple English Wikipedia for a year, we'd be in much better shape academically

--

Fdo: Portrait

La paja en el ojo ajeno

2009-02-24T09:09:00.002+01:00

En este artículo se dedican a criticar a Baudrillard. La principal crítica es que escribía de una manera muy rebuscada, tratando de que sus textos fuesen complejos y poco legibles.

Para ello, el autor, en un ejercicio de ver la paja en el ojo ajeno, nos dice:

"Baudrillard jugaba con eso; simulaba explicar, provocaba continuamente el sentido, y dejaba a su auditorio pivoteando sobre una suerte de lógica falsa saturada de polisemia."

"La oscuridad de su retórica se convirtió en su grifa favorita."

"Reversibilidad comercial de un discurso hierático deliberadamente blindado para rigurosos."

No hay nada como utilizar construcciones lo más complejas posibles, buscando las palabras más largas posibles para criticar que un filósofo escriba de manera enrevesada

¡Bravo!

enviado por padawan

Incorrecto's Watch

2009-02-21T12:44:00.007+01:00

Disculpen el off-topic, pero creo que esto merecía ser reproducido. Lo que demuestra es que hay cosas peores que ser cultureta, aunque pensásemos que no.

Hola soy rumano

Pues seguro que a los rumanos les conoceis por muchas
cosas y ninguna buena. Como son pobres, tienen que hacerse pasar por sordomudos
o discapacitados y cuando les vas a ayudar te roban la cartera, a mi amigo
Joseba una vez le robó la cartera una niña rumana que decía que era sordomuda,
lo decía con gestos claro. Pues hay un señor que en vez de tener que ganarse la
vida así, tuvo una idea inventiva y dijo que iba a hacer una película, y ahora
es rico.

Para saber algo más de la pelicula, pues en Rumanía habia un señor muy
malo que se llamaba Caucescu que tenía muchos hombres preparados para la batalla
siempre y si hacías algo malo te cogían y te llevaban a la guillotina, la
guillotina te corta el cuello y te mata. Eso sí, en vez de tanques iban en
caballos porque no tenían dinero y además era una antigua época. Por eso esta
chica de la película que además tiene un muy sensual cuerpaco, no le dejan tener
el hijo y tiene que sacárselo un hombre. Es normal que no haya escenas de acción
si no tienen dinero, es más mejor hacer una película dramática sin presepuesto
que tener que decirle a tu hija que se haga paralítica, eso es muy triste y
deshumano.

Bueno es la película muy combativa en el sentido que los curas seguro
que se quejan , porque los curas siempre dicen cosas en contra del aborto y se
quejan de todo. La verdad es que nunca vi una pelicula así , espero que los
rumanos sigan haciendo peliculas y dejen de hacer cosas malas.

HAY QUE VERLA

---EdOrTa---donosti (Eritrea)

Otras críticas de Edorta.

Sugerencia de Tito.

¡Enjutos riffs de guitarra! ¡Enjutos riffs de guitarra! ¡Oeeeeeeeeeeee!

2009-02-19T17:27:00.001+01:00

CENTELLA / CENTELLA
Matemática de formación, a Padi Fuster siempre le salen los números. Tras convertir a Sibyl Vane en común denominador del riot grrrl nacional, la cantautora barcelonesa soluciona la ecuación de su nuevo proyecto despejando la incógnita del sonido The Evens. Enjutos riffs de guitarra y baterías destartaladas, atmósfera naíf y letras inquietantes, fogonazos de genialidad inexacta y minimalismo punk-pop en once pequeñas grandes canciones. Diecisiete de los minutos del año o el complemento perfecto para el debut de Lidia Damunt.

Una de esas reseñas épicas que parecen escritas a propósito para que aparezcan en este blog.
La cosa comienza con la Técnica de la Metáfora por Cojones ®, que el autor lleva hasta sus últimas consecuencias a una velocidad inusitada con un jlorioso ‘despejando la incógnita’ que hizo que releyera la frase hasta tres veces. No porque no supiera quiénes son ‘The Evens’. Que no lo sé. Aunque eso es lo de menos. Lo que no podía era creerme cómo podía utilizar la técnica GSanziana de una manera tan impecable.

Por supuesto: es un texto del propio G.Sanz.

A continuación, encontramos la expresión ‘enjutos riffs de guitarra’ que, junto a ‘baterías destartaladas’ logra un hermoso binomio de “¿lo cualo?” que nos invita a la reflexión o, alternativamente, a prenderle fuego a la revista. Supongo a que se refiere a que son frases de guitarra cutres y simplonas, mientras que la batería suena a la del ‘Guitar Hero’ pero sin estar conectada la consola. O sea, lo que se suele expresar con mayor claridad diciendo ‘una puta mierda’. Pero, ¡ay que no!: la crítica es positiva. Confusión que se eleva con ese precioso ‘genialidad inexacta’, que me recuerda a mi adorada expresión ‘agradable impericia instrumental’, cuya lectura siendo adolescente hizo que abandonara totalmente la confianza en toda crítica musical y, de paso, en el ser humano.

No diré nada de ‘Minimalismo punk pop’, otra expresión cuyo significado no sólo se me escapa, sino que siento como si me hiciera un corte de mangas mientras huye. Y sí: el disco dura 17 minutos. Y yo que creía que Battiato se columpiaba con sus cds de 30. Menos mal que es gratis. Yo me lo he bajado.

Suena como el orto.

Pero eso es otro tema que no tiene nada que ver con este blog.

Indietrónica, ese palabro

2009-02-12T08:27:00.001+01:00

"(...)Tras un debut, 'Animal fràgil' (2006), específicamente centrado en la Francia de Dominque A, el mallorquín amplía el perímetro mediante una apuesta por el preciosismo instrumental y la sutileza indietrónica que no siempre resulta ganadora. Tirando del tema 'Hi haurà', su notable segundo álbum podría llegar hasta Radiohead pero, con su proverbial desnudez, 'Seré y Morfina' responden mejor a la inmediatez del título y lo aligeran de ampulosidad y trascendencia".

G. Sanz, defensor de la desnudez y azote de la ampulosidad. Esto...

La duda

2009-02-11T17:25:00.002+01:00

Empezando por el final, me ha gustado la peli, que aparte del
conflicto a nivel personal que plantea puede (y quizá deba)
interpretarse como una alegoría en la que se cuestionan el significado
de la certeza y el valor del empirismo, así como la validez de los
distintos métodos (o más bien actitudes) de enseñanza; total, que
hablamos de una historia con fondo que, además, está bien hecha en lo
que a su forma respecta: buenos actores, buena realización, así que no
encuentro nada que poner en su contra. Ahí lo llevan.

visto en al fondo a la derecha:
http://alfondoaladerecha.inclinado.org/2009/02/04/la-duda/

Enviado por: Fernando Herrera